el cuarto abierto

CineClub Divine presenta THE ROCKY HORROR PICTURE SHOW (Jim Sharman, 1974)

2011-12-16T17:09:00.001-03:00

¿Qué les depara el futuro a Brad y a Janet? ¿Qué se oculta dentro del castillo del Dr. Frank-N-Furter? ¿Las travestis vienen de otro planeta? ¿Por qué queremos tanto a Susan Sarandon? CineClub Divine presenta, en su última función del año, THE ROCKY HORROR PICTURE SHOW (Jim Sharman, 1974), la película musical más sexy y perversa del universo. Vengan a bailar las coreografías, a cantar las canciones y a embeberse de esta orgía de horror y locura. Lxs esperamos el viernes 16/12 a las 20.30 hs en La Usina (Bulnes 326). Lxs invitamos a venir disfrazados como corresponde y a quedarse a la fiesta de cierre del ciclo. La entrada es libre y gratuita.

Diciembre en el Club de Lectura de Brandon: A CIEN MIL WATTS de Germán Weissi

2011-11-28T13:49:00.001-03:00

CLUB DE LECTURA

Coordinado por Martín Villagarcía

El Club de Lectura de Brandon se reúne todos los meses para charlar sobre libros que abordan distintos aspectos de la temática LGTTBIQ. Es un espacio distendido donde nos juntamos a compartir nuestras reflexiones con amigos, a tomar algo y a conocer gente nueva. En Diciembre nos encontramos el miércoles 21/12 a las 20 hs a discutir A cien mil watts de Germán Weissi y, además, nos visita el autor y viene a charlar con nosotros. Ya te podés inscribir vía mail (martinvillagarcia@gmail.com o clubdelectura@brandongayday.com.ar) o en Brandon (Luis María Drago 236, abierto de miércoles a domingo a partir de las 20 hs). El precio es de $40 por mes y los podés pagar por adelantado o el mismo día del encuentro. Una vez que te inscribas, te vamos a entregar una guía de lectura con puntas de análisis y lecturas sugeridas. ¡Te esperamos!

DICIEMBRE

Miércoles 21/12 20 hs A cien mil watts de Germán Weissi

+ charla con el autor

Valor $40 (incluye guía de lectura)

Abierta la INSCRIPCIÓN

Casa Brandon (Luis María Drago 236, Almagro)

Agradecemos su difusión

Más información:

martinvillagarcia@gmail.com

clubdelectura@brandongayday.com.ar

CineClub Divine presenta EL ANSIA de Tony Scott

2011-11-28T13:47:00.001-03:00

¿Se puede vivir para siempre? ¿El amor es eterno? ¿Cuál es el secreto de la belleza de Catherine Deneuve? ¿David Bowie fue siempre un vampiro? CineClub Divine presenta EL ANSIA (Tony Scout, 1983), la película más dark del cine inglés de los ochenta, con la legendaria participación de Bauhaus, David Bowie, Catherine Deneuve y Susan Sarandon. Vengan a refrescarse con sangre fresca de la mano de los vampiros más glamorosos. Lxs esperamos el jueves 01/12 a las 20.30 hs en La Usina (Bulnes 326). La entrada es libre y gratuita.

Y vayan preparándose para la última función del año: ROCKY HORROR PICTURE SHOW (Jim Sharman, 1975) el viernes 16/16 20. 30 hs

Casa tomada

2011-11-28T13:43:00.001-03:00

Para No-Retornable

Seca es la ópera prima como director y dramaturgo de Lucas Lagré. La propuesta inicial guarda una gran similitud con el cuento “Casa tomada” de Julio Cortázar: dos personajes, uno femenino y otro masculino, permanecen encerrados en una casa ante el avance de las masas enardecidas por la lucha de clases. Sin embargo, por fuera del lugar que habitan, el fenómeno está generalizado, la calle es un campo de batalla y la violencia y los destrozos remiten inmediatamente al 2001. De esta manera, Seca demuestra una vez más cómo esos días fatídicos de hace 10 años se convirtieron en un núcleo productor de relatos, al mismo tiempo que marcaron un antes y un después en la historia contemporánea del país. De alguna manera, es lo más cerca que estuvo la Argentina del imaginario cyberpunk (hoy ya retro-futurista).

El uso de una pareja compuesta por un personaje femenino (Julia, interpretada por Verónica Intile) y otro masculino (Javier, interpretado por Matías Marmorato), en el contexto del desastre generalizado, retoma el concepto del arca de Noé e instala la pregunta: ¿Cómo y para qué reproducirse? El problema en realidad está en que Javier insiste en permanecer por fuera de la sexualidad, borrando las marcas de género (y generando así una variación del lenguaje) y reprimiendo su deseo. Julia, al contrario, está desbordada por su deseo, algo que se puede ver no sólo en su agresividad sexual, sino también en su trastorno alimenticio.

A puerta cerrada, la otra pregunta que instala Seca es ¿cómo vivir juntos? Y la vuelta de tuerca la viene a dar Gustavo (Sergio Ballerini), el tercer personaje en discordia, que llega para quebrar el inestable orden que había ya entre Julia y Javier. Ambos dos tienen cada uno su objetivo para con él y viceversa. Juntos, descubren distintas formas de vivir el hambre, la desesperación y la pobreza.

La puesta es austera y tiene que ver con el conflicto en cuestión. Dentro de la casa lo único que quedó es alcohol, un juego de cartas, dos camas y una biblioteca, signo de clase por excelencia, aunque luego sea utilizada con otros fines prácticos. La iluminación es absolutamente climática y tiene un uso productivo para generar los momentos de reflexión y psicosis de los tres personajes.

La próxima función de Seca es el Domingo 13 de noviembre a las 20:30 hs en el marco del Festival de Teatro Emergente que se hace en el nuevo Abasto Social Club (Yatay 666). Las reservas pueden hacerse en abastosocialclub@fibertel.com.ar

Ficha técnico artística

Dramaturgia: Lucas Lagré

Actúan: Sergio Ballerini, Verónica Intile, Matías Marmorato

Voz en Off: Marcelo Acquaticci, Ariadna Asturzzi, Sebastián Duarte, Tulio Gómez de Álzaga, Marisa Pájaro, Marienn Perseo

Vestuario: Eneas Escalante

Escenografía: Eneas Escalante

Diseño de espacio: Eneas Escalante

Diseño de luces: Gaston Calvi

Diseño sonoro: Pilar Gallardo, Gastón Isola, Ezequiel Montenegro

Fotografía: Alejandro Ojeda

Diseño gráfico: Alejandro Ojeda

Asistencia de dirección: Sebastián Duarte

Producción ejecutiva: Cynthia García Calvo

Dirección: Lucas Lagré

Figuraciones de lo gay

2011-10-09T11:51:00.002-03:00

Mapa Callejero

José Quiroga
(selección y prólogo)

Eterna Cadencia

2010

Para El Interpretador Libros

¿QUÉ ES GAY?

El problema de compilar una antología es establecer un criterio. Mapa callejero. Crónicas de lo gay desde América Latina se propone desde el título como una selección de crónicas latinoamericanas que tienen que ver con la figuración de lo gay. Sin embargo, las dos categorías (la crónica y lo gay) están puestas en cuestión a lo largo de todo el libro.

Por un lado, en Mapa callejero lo gay se aplica indistintamente al hermafroditismo, a los pederastas y a las locas; por el otro, las lesbianas brillan por su ausencia. Si el armado de todo corpus implica el planteo de una hipótesis, se puede pensar que Mapa callejero plantea un uso del término gay relacionado mayormente con la homosexualidad (en su sentido más amplio, que incluiría tanto al cross-dresser como a la pasiva más escandalosa) masculina (o por lo menos identificación masculina, en el caso de los intersex y hermafroditas).

Por otra parte, el género crónica también está puesto en discusión. Si bien gran parte de los relatos que componen el libro obedecen a las pautas de este género, hay muchos otros que son recortes o fragmentos de novelas, cartas, informes, etc. No obstante, la crónica está estrechamente ligada con el tiempo y Mapa callejero funciona, efectivamente, como un corte diacrónico de la figuración de lo gay; desde el cruento siglo XIX y el uso feroz de la biopolítica, hasta el panorama desolado de la Nueva York post 9-11.

BIOPOLÍTICA

La primera parte de Mapa callejero otorga la voz a la norma heterosexual para juzgar, desde lo que Foucault luego llamaría biopolítica (la política de la vida, para simplificar el alcance del término), a la forma de vida homosexual. Por un lado, está “Más-a-fuera”, la crónica que Sarmiento dedica a mediados del siglo XIX, dentro de una carta a Demetrio Peña, a la descripción de una sociedad insular (como la de Lost) compuesta íntegramente por hombres. Si bien no hay un hincapié en la naturaleza del lazo que une a estos sujetos, Sarmiento no duda en afirmar que “viven felices para su condición”. No obstante, no deja de tratarse de una “incompleta sociedad”, en la medida en que no tiene ni “gobierno ni mujeres”.

Por otro lado, el discurso de la biopolítica produce una serie de crónicas donde, en nombre de la ciencia y la medicina, se avanza sobre el cuerpo anómalo, produciendo una violación del mismo; y es que, como afirma Luis Montané en su crónica, “[l]a ciencia no tiene, no puede, no debe tener pudor”. Esto puede leerse en “Historia natural. Descripción de un hermafrodita”, de Tomás Romay: “Bajo el pene clítoris se percibe el efínter uréter por donde orina, y el orificio de la vagina, tan estrecho que intentando el Dr. Cózar introducirle el dedo índice, no pudo conseguirlo; y el hermafrodita se quejó como que sentía dolor” (el subrayado es mío).

Pero la biopolítica no sólo avanza sobre el cuerpo, sino también sobre la psiquis del sujeto. Francisco de Veyga, en “La inversión sexual adquirida”, se ocupa del fenómeno homosexual como una desviación (en su sentido literal, puesto que para desviarse hay que haber caminado derecho): “Ahora vamos a ocuparnos de algunos sujetos en quienes la inversión sexual no se ha manifestado como obra espontánea de una tendencia congénita anómala, sino como el resultado de una contaminación o del desgaste mental”. El concepto de homosexualidad ligado a las enfermedades (un discurso que prevaleció hasta hace no tanto tiempo) reaparece en “Una piedra en el camino”, el relato de Carlos Montenegro, en el que el protagonista rehúye de sus compañeros de celda: “a él se le hacía como si todos estuvieran leprosos y lo fueran a contaminar”.

Finalmente, la voz es devuelta a los juzgados en las crónicas de Mauro Cabral y Néstor Perlongher. En “Diferencias ambiguas”, Mauro Cabral se alza en nombre de los intersex, tirando abajo el sistema clasificatorio del discurso médico y la biopolítica en un gesto sumamente deleuziano: “las personas intersex somos quienes, habiendo nacido con un cuerpo sexuado que varía tanto del promedio masculino como del promedio femenino, hemos experimentado las distintas consecuencias que depara esa variación en esta cultura: el estigma de la ambigüedad”. Por último, El texto de Perlongher (un fragmento de su ya clásico La prostitución masculina) analiza la convivencia (el cómo vivir juntos) de la sociedad brasileña en relación a los taxi boys, las travestis y los gays en general, presionados constantemente por la fuerza de la ley en el contexto de una revuelta heredera de Stonewall.

SENSIBILIDAD

Mapa callejero da cuenta también de la formación de lo que podía llamarse una sensibilidad gay. Por un lado, están las crónicas todavía escritas en tercera persona, en las que los cronistas quedan obnubilados ante figuras como las de Oscar Wilde o Federico García Lorca, y por el otro, están los relatos ya en primera persona que versan sobre aquello que hace a la sensibilidad gay a los ojos de todo el mundo.

La crónica de José Martí sobre Oscar Wilde proviene de sus famosas Escenas norteamericanas, en las que retrata para Latinoamérica el mundo de Estados Unidos a fines del siglo XIX. Martí queda instantáneamente preso del encanto de Wilde, su amor por el arte y su cinismo: “Es un cismático del arte, que acusa al arte inglés de haber sido cismático en la iglesia del arte hermoso universal. Es un elegante apóstol, lleno de fe en su propaganda y de desdén por los que la censuran, que recorre en estos instantes los Estados Unidos, diciendo en blandas y discretas voces cómo le parecen abominables los pueblos que, por el culto al bienestar material, olvidan el bienestar del alma (…) Embellecer la vida es darle objeto”. En “Encuentro con Federico García Loca en Buenos Aires”, Salvador Novo relata su encuentro con el escritor español, en el que entabla una relación de complicidad: “Federico entraba y salía, me miraba de reojo, contaba anécdotas, y poco a poco sentí que hablaba directamente para mí; que todos aquellos ilustres admiradores suyos le embromaban tanto como me cohibían y que yo debía aguardar hasta que se marchasen para que él y yo nos diéramos un verdadero abrazo”. Tanto Novo como Martí se encuentran ante figuras que desean en algún punto capturar, pero es sólo Novo quien logra establecer un vínculo que trasciende la admiración distanciada, en la medida en que entiende el carácter político y militante (respecto de lo gay) de uno de los poemas más importantes de Lorca, la “Oda a Walt Whitman, viril, valiente, preciosa”.

En “Los que callan”, José Enrique Rodó hace una observación similar a la de Martí respecto de Oscar Wilde: “Una de las impresiones más altas de respeto que yo haya experimentado en el mundo es la que produce cierto linaje de espíritus –seguramente, muy raros- (…) que unen al sentimiento infalible, perfecto, aristocrático, de la belleza, en las cosas del Arte, el absoluto desinterés con que profesan calladamente su culto”. El homosexual queda representado como aquel poseedor del gusto, del don y la inclinación por el arte y la belleza. Este perfil aparece también en “El arte sutil del maquillage”, en donde Enrique Gómez Carrillo lleva al extremo este amaneramiento en un personaje cuyo papel es el de “doctor en sutilezas femeninas”, como el maquillaje, el peinado, etc.

DESTERRITORIALIZACIONES

Mapa callejero presenta también una topografía del espacio gay, puesto que la crónica (el género privilegiado por la antología) está estrechamente ligada con lo espacial y, más específicamente, lo urbano. Esto se debe a que el nacimiento de la crónica como género periodístico está ligado al surgimiento de las ciudades durante la primera parte del capitalismo, y funcionó como registro de su crecimiento. Claro que no existe de por sí un espacio gay, lo que se produce más bien es una desterritorialización de distintas zonas de la ciudad y una posterior reterritorialización en clave homosexual de esos lugares (es decir, un devenir gay de la ciudad).

Debido al carácter clandestino que caracterizó a la homosexualidad durante tanto tiempo, no resulta sorpresivo que en lo que respecta al área pública haya una figuración secreta. Abelardo Arias, en “Mar del Plata o el amor”, da cuenta de este carácter arcano del amor gay: “Nos hemos sentado atrás en el colectivo, para que nadie nos vea tomados de la mano”. Sin embargo, por el otro lado hay un uso predilecto de una zona del espacio público en especial: la “tetera”. Esto puede leerse en el fragmento incluido de Un año sin amor de Pablo Pérez: “Me bajé de Constitución y me tenté de ir a los baños (…) En los mingitorios había más de diez tipos pajeándose, uno de ellos muy feo, pero con una pija proverbial que me excitó”. Otros tentados por la tetera son Alone, que escribe en su Diario íntimo: “Baño turco, mi vicio”, y Salvador Novo, que en “Motivos del baño” le hace un elogio: “no es sólo higiene, sino placer de la mirada y del músculo, exhibición”.

También la luz es un abismo

2011-10-09T11:47:00.001-03:00

Por Martín Villagarcía y Sol Echevarría

Para No-Retornable

Los insolados de Hernán Morán es una obra acechada constantemente por el fantasma de Horacio Quiroga. Los cuentos del escritor uruguayo se evocan uno atrás del otro en la trama (“La gallina degollada”, “El almohadón de plumas”, principalmente, pero también “La insolación”, etc.), sin llegar nunca a ser relatados del todo. Funcionan más bien como inspiradores de una historia mayor, musas que susurran la inminente muerte de Alicia y sus secuelas en la vida familiar.

El punto de partida de la obra es la llegada del matrimonio conformado por Berta, prima de Alicia, y Mazzini al monte donde Jordán mantiene recluida a su mujer enferma, junto a su hermano menor y a los criados. La llegada de los forasteros provenientes de la ciudad instala la dicotomía que dicta los conflictos de la obra. El campo es el escenario del calor, de la enfermedad, la superstición, el salvajismo y la perversión, mientras que la ciudad (ya demasiado lejos del horizonte de los habitantes de la casa en la que transcurre la obra) es el espacio del confort, la salud, la ciencia, los buenos modales y la ética. Este fenómeno está reforzado por la instancia temporal en que se instala la obra, que es en la línea borrosa que divide el siglo XIX del XX, donde la modernidad y la vida casi colonial todavía conviven. Esto puede pensarse a partir de un personaje como el del hermano menor de Jordán, cuya forma de vida (la del escritor) tambalea entre la profesionalización y la bohemia.

Al mismo tiempo, el calor de Diciembre no permite la posibilidad de una resolución. Por el contrario, sustentado por la cruda desolación del paisaje, resulta tan opresivo que arrastra a todos a los delirios y al terror de la fiebre. Todo el tiempo, esos estados afiebrados se confunden con la muerte, en tanto el cuerpo se vuelve, cada vez más, cadáver.

Como en los cuentos de Quiroga, los personajes emergen del territorio, pero lo modifican, ambos se determinan mutuamente. Hay una experiencia límite del ambiente en el desterrado, que lo lleva a vivir una vida intensa -definida en el límite por el peligro de muerte- que es el producto del encuentro entre ambos. La zona de frontera no sólo una frontera entre dos países, sino una frontera entre dos mundos. Es una zona que definitivamente no es urbana, pero contiene elementos que provienen de la ciudad. En esta obra, junto con los nativos, están estos personajes que provienen de un escenario urbano.

En contraste, el escenario donde les toca vivir en la selva es rústico. Por ello la escenografía, si bien sencilla, es muy significativa. Se trata de una tarima construida con maderas que se desplaza de escena en escena, o incluso en la mitad de una. El resto del espacio está vacío, o poblado apenas por un banco y una escalera con ramas que hace de árbol. La tarima, entonces, ocupa un pequeño porcentaje de la escenografía y permite ver a través suyo y hacia los costados, según donde se la ubique. También, al rotar, deja que lo que sucede arriba sea percibido desde distintos ángulos. Esta estructura enfatiza la precariedad y falta de intimidad en el ambiente de la selva, así como evidencia el artificio de la puesta teatral, que carece de intentos realistas.

Otro de los elementos que modifica la percepción de los sucesos dentro de cada escena es la musicalización, a cargo de Juan Bisso, quien toca el violín en vivo. La música aparece como leit motiv en los momentos de locura de una de las protagonistas femeninas. Estos episodios son acompañados también por un cambio de iluminación que, al acentuar las sombras y generar focos de luz, crea un efecto dramático.

Acá se ve también cómo el pasado sigue rigiendo a los personajes, que nunca consiguen dejarlo atrás del todo. Pero la región, tal como está planteada es un lugar de fracaso de la cual no hay salida o sí, pero es la muerte. Porque cuando la geografía se les impone, los conduce hacia ese último límite, definitivo.

En Los insolados, Hernán Morán vuelve sobre algunos de los temas que guían su poética; por ejemplo la recurrencia a espacios no-urbanos, alejados de la velocidad del presente e instalados en la lejanía del interior, o también la insistencia sobre personajes privados de algún sentido, dos elementos que pudieron verse también su obra anterior, Urdinarrain.

Ficha técnico artística

Autoría: Hernán Morán

Sobre textos de: Horacio Quiroga

Actuan: Marcela Arza, María Lía Bagnoli, Lola Borgia, Nacho Ciatti, Rodrigo Guzay, Marcelo Martin, Andrés Passeri, Adriana Pregliasco, Sebastián Suñe, Juan Manuel Zuluaga

Sombras: Gabriel Von Fernández

Diseño de vestuario: Gustavo Alderete, Natalia Gonzalez

Diseño de escenografía: Sebastián Roses, Mariano Sivak

Diseño de luces: Fernando Chacoma

Realización de escenografia: Sebastián Roses, Mariano Sivak

Música original: Juan Bisso

Fotografía: Federico Feliziani

Diseño gráfico: Leandro Ibarra

Entrenamiento corporal: Alfonso Barón

Asistencia de vestuario: Maia Lia Kolisnyk, Rodrigo Lico Lorente, Julieta Strehar

Asistencia de dirección: Nicolás Capeluto

Supervisión dramatúrgica: Ariel Barchilón

Puesta en escena: Hernán Morán, Maria Urtubey

Dirección: Hernán Morán, Maria Urtubey

Web: http://losinsolados.blogspot.com/

BECKETT TEATRO

Guardia Vieja 3556

Capital Federal - Buenos Aires - Argentina

Reservas: 48675185

Web: http://teatrobeckett.com/

Entrada: $ 40,00 y $ 30,00 - Sábado - 20:00 hs - Hasta el 19/11/2011

CineClub Divine presenta COSA DE HEMBRAS de John Waters

2011-10-06T01:19:00.000-03:00

¿Estás aburridx de no saber qué hacer un viernes a la noche? ¿Estás ansiosx y no te aguantás a que se haga la hora del boliche? ¿Tenés ganas de ver algo bien guarro y no sabés dónde? CineClub Divine es tu lugar y el especial de John Waters es tu oportunidad. Después del éxito rotundo de la primera función con PINK FLAMINGOS, este viernes 7/10 a las 20.30 hs presentamos COSA DE HEMBRAS (Female Trouble), más guarra y con un doblaje al español más bizarro todavía.

Te esperamos en La Usina Cultural del Sur (Bulnes 326, Almagro). ¡No te la podés perder! Después no digas que no te avisamos.

http://cineclubdivine.blogspot.com

www.twitter.com/cineclubdivine

OCTUBRE en el Club de Lectura de Brandon: ADORO de Osvaldo Bossi

2011-09-23T12:21:00.000-03:00

Ya te podés inscribir vía mail (martinvillagarcia@gmail.com o clubdelectura@brandongayday.com.ar) o en Brandon (Luis María Drago 236, abierto de miércoles a domingo a partir de las 20 hs). El precio es de $40 por mes y los podés pagar por adelantado o el mismo día del encuentro. Una vez que te inscribas, te vamos a entregar una guía de lectura con puntas de análisis y lecturas sugeridas. ¡Te esperamos!

OCTUBRE

Jueves 13/10 20 hs Adoro de Osvaldo Bossi

Jueves 20/10 20 hs charla con el autor

Valor $40 (incluye guía de lectura)

Abierta la INSCRIPCIÓN

Casa Brandon (Luis María Drago 236, Almagro)

Cae la noche tropical

2011-09-10T13:03:00.002-03:00

Desarticulaciones

Sylvia Molloy

Eterna Cadencia

2010

Para El Interpretador

Desarticulaciones de Sylvia Molloy es un texto crepuscular. Lo que el libro narra es el ocaso de ML., cuyo Alzheimer va carcomiendo su memoria de manera progresiva. Pero junto con ML también desaparece la narradora, en tanto ya no es recordada. De esta manera Molloy plantea una paradoja similar a la que Tweedledum y Tweedledee le proponen a Alicia en A través del espejo cuando se encuentran con el rey durmiendo: “Y si dejara de soñarte… ¿podrías tú decirme dónde crees que estarías?”. Los encuentros se suceden y ML., como una enferma, siempre parece yacer “mirando a través de la ventana el exiguo rectángulo del cielo”. Mientras tanto la narradora intenta recuperar el tiempo que se va perdiendo, de manera similar a como ocurre en la película Evening (Lajos Koltai, 2007), donde Ann Lord (Vanessa Redrgrave) narra, mientras agoniza, la catarata de recuerdos de su juventud que le vuelven a la mente de manera fragmentaria.

UNA VISITA INOPORTUNA

Hay una necesidad casi imperiosa por hablar, por decir, por escribir en la narradora de Desarticulaciones. Ya desde el principio, el libro se abre haciendo explícita esta condición: “Tengo que escribir estos textos mientras ella esté viva, mientras no haya muerte o clausura, para tratar de entender ese estar/no estar de una persona que se desarticula ante mis ojos”. Esta necesidad de la narradora encuentra una respuesta momentánea en ML. cuando ella también le cuenta algo: “era como si necesitara contármelo”. Las dos mujeres contándose cosas, conversando, sumado al tono nostálgico que tienen sus encuentros las coloca en un lugar similar al de las dos hermanas que protagonizan Cae la noche tropical de Manuel Puig, en tanto en ambos casos se trata del fin de una relación, de la memoria y de un futuro cuyas puertas ya han sido cerradas. Por otro lado, hay algo muy típico de las mujeres de Puig en el relato nostálgico del tiempo que quedó atrás, especialmente en lo que concierne al orden del lenguaje: “Ayer cuando llegué estaba sentada en un sillón, muy quieta y –como se decía en otra época, acaso como ella misma habrá dicho en otra época- muy compuesta” o “la palabra ‘buenamoza’, tan de otra época”.

Si bien ML. no está internada, sino que permanece en su casa bajo cuidado especial, las visitas que le hace la narradora parecen visitas de hospital, como las que hacen los amigos a Copi en Una visita inoportuna. El espacio apenas se ve alterado, las personas entran y salen continuamente y un silencio espectral atraviesa todo el libro. En esas condiciones, la narradora llega y cuenta (recuerdos, novedades, anécdotas, etc., como el narrador del que habla Walter Benjamin), pero son cada vez menos las respuestas que obtiene de la amiga: “Ahora me encuentro hablando en un vacío: ya no hay casa, no hay antes, solo la cámara de ecos”.

MEMORIA

La memoria (y el testimonio) es un tema recurrente en la obra de Sylvia Molloy, una especie de ritornelo que no parece dejar de producir efectos. Esto puede verse en su más célebre novela, El común olvido, pero también en Varia imaginación y Acto de presencia, su ensayo sobre la tradición autobiográfica en Latinoamérica. En Desarticulaciones la memoria está puesta en primer plano y planteada como problema en relación a la identidad: ¿Qué queda de uno cuando deja de ser recordado?

Con su Alzheimer galopante, ML. está en una situación similar a la de Joel Barish (Jim Carrey) en Eternal Sunshine of the Spotless Mind (Michel Gondry, 2004), en cuya mente la oscuridad de propaga rápidamente, apagando uno a uno todos sus recuerdos de Clementine (Kate Winslet). Sin embargo, al igual que en esta película, ML. logra encontrar pequeños archipiélagos de remembranza: “En dos ocasiones se ha producido como una descarga en su memoria y surgen fragmentos desconectados de un pasado que parecía siempre perdido, como islas que deja un tsunami cuando retrocede”.

Ante la desmemoria de ML., la narradora queda a la deriva con los recuerdos que compartía con su amiga, aquellos que ésta ya ha olvidado. Así, ML. deviene un perfecto lector (u oyente), una tabula rasa, un grado cero de la experiencia: “Hablar con un desmemoriado es como hablar con un ciego y contarle lo que uno ve: el otro no es testigo y, sobre todo, no puede contradecir” y la narradora obtiene la libertad de inventar el recuerdo, alterarlo a su gusto y necesidad. Y es que, como decía Virginia Woolf, las cosas no suceden hasta que uno las escribe, y la memoria no es sino otro dispositivo de escritura.

El problema principal de la narradora de Desarticulaciones (ya que el libro funciona como un registro a modo de diario íntimo) no es tanto lo que ocurre con ML., cuya causa ya está irremediablemente perdida, sino lo que ocurre con ella misma a partir de la pérdida de memoria de su amiga: “No quedan testigos de una parte de mi vida, la que su memoria se ha llevado consigo”. Lo que se pierde con la memoria de ML. es la misma narradora: “Ayer descubrí que me había vuelto aún menos yo para ella (…). Sentí que había perdido algo más de lo que quedaba de mí”. Si los recuerdos dejan de ser compartidos: “Para mantener una conversación –para mantener una relación- es necesario hacer memoria juntas o jugar a hacerla, aun cuando ella –es decir, su memoria- ya ha dejado sola a la mía”, y se los puede inventar, entonces se vuelven ficción y, por ende, propensos a no haber sido nunca verdad. Hay una necesidad de un otro para que haya un yo, y si el otro desaparece, el yo se diluye en el mismo movimiento.

LITERATURAS DEL YO

Desarticulaciones es un texto que puede insertarse en la serie de lo que se llama “literaturas del yo” o, en palabras de Alberto Giordano, el giro autobiográfico de la literatura argentina actual. Si bien el libro de Molloy no es una autobiografía de manera explícita, el problema sí está colocado en la primera persona que narra y es su propia historia la que está en peligro de extinción, más que la de ML.: “¿Cómo dice yo el que no recuerda, cuál es el lugar de su enunciación cuando se ha destejido la memoria?”. Por otro lado, el género también está en estrecha relación con esta tradición literaria, en la medida en que se trata de una especie de diario íntimo o cuaderno de anotaciones, en una línea muy similar a la del Diario de duelo de Roland Barthes. Por último, Desarticulaciones también puede funcionar como ejemplo de lo que Josefina Ludmer llama “literaturas posautónomas”, en tanto se coloca en la delgada línea que separa la realidad (la vida privada de Sylvia Molloy y su amiga María Luisa Bastos) y la ficción (la obra literaria de Sylvia Molloy y el personaje ML.) y atraviesa esa frontera una y otra vez.

SEPTIEMBRE en el Club de Lectura de Brandon

2011-09-01T11:12:00.000-03:00

El Club de Lectura de Brandon se reúne todos los meses para charlar sobre libros que abordan distintos aspectos de la temática LGTTBI. Es un espacio distendido donde nos juntamos a compartir nuestras reflexiones con amigos, a tomar algo y a conocer gente nueva. En Septiembre nos encontramos el jueves 8/09 a las 20 hs a discutir Dame pelota de Dalia Rosetti.
Ya te podés inscribir vía mail (clubdelectura@brandongayday.com.ar o martinvillagarcia@gmail.com) o en Brandon (Luis María Drago 236, abierto de miércoles a domingo a partir de las 20 hs). El precio es de $40 por mes y los podés pagar por adelantado o el mismo día del encuentro. Una vez que te inscribas, te vamos a entregar una guía de lectura con puntas de análisis y lecturas sugeridas. ¡Te esperamos!

SEPTIEMBRE

Jueves 8/09 20 hs Dame pelota de Dalia Rosetti

Valor $40 (incluye guía de lectura)

Abierta la INSCRIPCIÓN

Casa Brandon (Luis María Drago 236, Almagro)

Ronda nocturna

2011-08-20T11:41:00.000-03:00

Prendo la compu, abro el Chrome
y entro a un foro buscar una película porno.
Hay de todo:
Men at play,
Randy Blue,
Corbin Fisher,
Sean Cody,
Haze Him,
Chaos Men.
Me gusta Men at play.
Me encantan esos chongos grandotes, trajeados.
Empiezo a pajearme mientras espero a que baje el video
y de repente se abre una ventanita del MSN.
Es mi ex;
me pregunta si estoy ahí.
La película no baja más.
Quiero seguir con lo mío, pero no puedo.
Apago la compu de una, salgo a la calle y
me voy a Zoom.

***

Hace un frío de cagarse, el colectivo no viene más.
Me fumé un porro antes de salir y estoy re loco,
los autos que pasan dejan una estela afantasmada y
se me ocurre que todo en realidad deja un rastro así:
los autos, las personas, los accidentes.
Viene el bondi, me subo y voy directo a sentarme,
el colectivero me grita que tengo que pagar,
no entiendo nada, me paro de vuelta
meto las monedas y me vuelvo a tirar en el asiento.
La noche se me hace como un agujero negro, un
adentrarme en la dimensión desconocida.
Las calles me resultan familiares, me bajo sin pensarlo
y me doy cuenta que estoy en cualquier lado.
Entro a caminar y llego a un cine porno;
ya fue, me meto y que sea lo que tenga que ser.
El piso está pegajoso, lo cubre una película de semen viejo
que le otorga a todo un perfume casi costumbrista.
Un viejo me mira y se toca la pija por arriba del pantalón,
me quedo mirándolo porque no lo puedo creer y
piensa que me gusta, se abre la bragueta y la saca para afuera.
Tengo un principio de arcada y me meto corriendo a la sala.
Están pasando una película vieja, como de los 70,
con todos unos tipos flaquitos con bigote cogiendo sin forro.
Me siento atrás de todo y me cuelgo a mirarla,
de repente tengo a dos chupándome la pija,
no tengo idea de dónde salieron.
Trato de verles las caras, pero no los puedo distinguir.
No importa, me recuesto y cuando vuelvo a abrir los ojos
uno está encima mío. Le pego un empujón y me levanto.
Trato de salir, pero nunca alcanzo la puerta,
se aleja cada vez más y siento que me voy a quedar atrapado.
Afuera hay sol. No sé cómo, pero llego a mi casa.
Me falta esa parte de la secuencia,
son escenas que se perdieron para siempre.
Me miro en el espejo del ascensor;
un guascazo me atraviesa del pantalón a la remera.
No lo flashié, ¿será mío?

***

Alguien me pide que pare, que no cierre el ascensor.
Espero. Es un vecino, lo vi un par de veces.
Cierra la puerta y me pregunta a qué piso voy,
“Séptimo”, le digo y aprieta el 7 y después el 10.
El ascensor se mueve en cámara lenta.
Levanto la vista y lo veo por el espejo;
me mira y yo miro su mirada.
Llegamos al 7 y abro la puerta,
me dice: “¿Vamos a mi casa mejor?”.
Seguimos subiendo, llegamos al 10,
salimos y abre su departamento.
Es igual al mío, pero más chico.
“Sentate”, me dice y me siento en el piso,
él se sienta atrás mío en un sillón y
me acaricia la cabeza despacio,
como dibujándome un remolino en el pelo.
Prende un porro y me lo pasa;
estoy confortablemente entumecido.
Mis movimientos son una continuación de los suyos:
Me saca la campera, yo le saco el buzo,
nos sacamos los pantalones
y vamos a su cuarto.
Nos chupamos las pijas y
me lo termino cogiendo contra la pared.
Después no me acuerdo más nada,
sólo algunas imágenes aisladas.
Al otro día me despierta el sol en la cara,
estoy en mi cuarto, es lunes
y hay que empezar otra vez.

Serie de poemas leída durante la presentación de Waska #2 el 17/08/2011 en casaBrandon.

Nada va a cambiar mi mundo

2011-08-19T11:28:00.002-03:00

Galletitas importadas

Cristian Godoy

Pánico el pánico

2011

Los cuentos de Galletitas importadas, primer libro de cuentos de Cristian Godoy, se presentan como pequeños universos cerrados, apenas entreabiertos por la voz de cada uno de sus narradores. Es el caso de “División con dos decimales”, en el que la aventura sexual entre un joven profesor particular y el padre de su alumno se deja leer casi sólo entre líneas, al igual que el trauma generado en el chico por la desaparición de la madre y su posterior reemplazo. Algo similar ocurre en “Porque ellos merecen lo mejor de vos”, donde Amanda, una empleada ejecutiva al borde de un ataque de nervios, es acechada por el fantasma de su fenecida relación con Horacio.

Al mismo tiempo, los personajes que pueblan estos relatos son en sí mismos su propio mundo y encuentran difícil establecer relaciones con los demás, cayendo muchas veces en el aislamiento, si no físico, por lo menos mental, como es el caso de Amanda, por ejemplo. “Caprichito mío”, el cuento que abre el libro, presenta a una pareja madura que decide volcarse al negocio de la panadería, una vez que el marido queda desempleado. Inmediatamente, el local pasa convertirse en el mundo de estos personajes y todo es percibido a través de su propia lógica; de manera que a cada cliente que pasa por el negocio lo reciben con “una sonrisa curva como un croissant”, mientras que las señoras les devuelven el gesto “frunciendo una boquita de dama”.

Hay algo del orden de la nostalgia por el pasado que se juega en los cuentos de Galletitas importadas. Por un lado, a un nivel conectado con lo material en “Caprichito mío”, donde el deseo de abrir una panadería responde al recuerdo de los viejos almacenes, donde todavía se vendían las galletitas en lata. Por el otro, a un nivel más subjetivo, en lo que se refiere a las relaciones personales. El cuento que da título al libro recrea el universo de las amistades infantiles, muchas veces movidas por el interés, en este caso por las posesiones de la familia del Colo. En este mismo sentido, “En pinta” narra el primer viaje de vacaciones que hace un grupo de amigos sin sus padres, en el momento exacto en que todo cambia; mientras que “Maní cordobés” presenta en paralelo el estado de la amistad entre Tute y Marcos, en el pasado cuando eran chicos y en el presente cuando ya son adultos. Por último, “Cenar de día” pone en primer plano la relación de una familia en torno a la figura del abuelo, patriarca y tirano indiscutido, representante de viejas costumbres.

Cada uno de los cuentos está tensado por un enigma cuya solución se posterga permanentemente. Algo siempre queda por resolver y es que, como en los cuentos del escritor norteamericano Ernest Hemingway, aquí también es sólo una porción de la historia lo que se cuenta, quedando el resto cubierto por una enigmática laguna de silencio.

AGOSTO en el Club de Lectura de Brandon

2011-08-12T16:44:00.003-03:00

El Club de Lectura de Brandon se reúne todos los meses para charlar sobre libros que abordan distintos aspectos de la temática LGTTBI. Es un espacio distendido donde nos juntamos a compartir nuestras reflexiones con amigos, a tomar algo y a conocer gente nueva. En Agosto nos encontramos el jueves 18/08 a las 20 hs a discutir El mendigo chupapijas de Pablo Pérez y el miércoles 24/08, a la misma hora, a charlar con el autor.
Ya te podés inscribir vía mail (clubdelectura@brandongayday.com.ar o martinvillagarcia@gmail.com) o en Brandon (Luis María Drago 236, abierto de miércoles a domingo a partir de las 20 hs). El precio es de $40 por mes y los podés pagar por adelantado o el mismo día del encuentro. Una vez que te inscribas, te vamos a entregar una guía de lectura con puntas de análisis y lecturas sugeridas. ¡Te esperamos!

AGOSTO

Jueves 18/08 20 hs El mendigo chupapijas de Pablo Pérez

Miércoles 24/08 20 hs charla con el autor

Valor $40 (incluye guía de lectura)

Abierta la INSCRIPCIÓN

Casa Brandon (Luis María Drago 236, Almagro)

ACCIDENTADOS, ilustraciones catastróficas de Martín Villagarcía

2011-07-21T11:27:00.001-03:00

Quedan todos formalmente invitados a la la inauguración de Accidentados, mi muestra de ilustraciones en casaBrandon curada por Sebastián Freire. La cita es el miércoles 3/08 a las 20hs en Luis María Drago 236.

Vidas rebeldes: Notas sobre el cine de Sofia Coppola

2011-07-01T16:47:00.000-03:00

It’s bright on the outside

The bright love the dark side I know

It's obvious but sometimes you just have to say it so

You don't feel so weak

About being such a freak

Alone

“Outsiders”

FRANZ FERDINAND

Para No-Retornable

A pesar de su corta extensión, el cine de Sofia Coppola permite ser pensado como obra, en la medida en que no se trata de un puñado de películas que no tienen nada que ver entre sí, sino que hay una coherencia y un hilo conductor en común que las atraviesa. El estreno de Somwhere (2010) aporta nuevos elementos a la poética de Coppola, al mismo tiempo que entra perfectamente en sistema con el resto de sus películas.

MISFITS

El mundo es vivido como extraño por los personajes de Sofia Coppola. En principio, esto puede ser pensado como una característica netamente adolescente, y aparece retratada en ese sentido en el cortometraje inaugural Lick the Star (1998). Allí Chloe (Audrey Heaven) y sus amigas de la secundaria forman una pequeña sociedad aparte en la que los varones no tienen lugar y deben morir. Este modelo de sociedad cerrada reaparece en The Virgin Suicides (1999), en donde las hermanas Lisbon no logran encajar del todo en el mundo debido al estricto asedio al que se hallan sometidas por sus padres; especialmente Cecilia (Hanna Hall), la menor de ellas.

En Lost in Translation (2003), Charlotte (Scarlett Johansson) y Bob Harris (Bill Murray), que ya no son adolescentes, experimentan también la extrañeza, debido a la estadía de ambos en Tokio; en el caso de ella en calidad de acompañante de su esposo que viaja por motivos laborales, y en el caso de él en calidad de estrella de antaño devenido actor de comerciales.

Algo similar ocurre en Marie Antoinette (2006) con el personaje de Maria Antonieta (Kirsten Dunst) en el palacio de Versailles, a donde debe trasladarse sin escalas desde el hogar familiar, para rápidamente convertirse en esposa, madre y reina. Por último, en Somewhere (2010), Johnny Marco (Stephen Dorff) es un actor exitoso que ya no soporta el estilo de vida de Los Ángeles y lo vive cada día de forma más enajenada.

En todos los casos, los personajes se hallan inmersos en medios que les son extraños y no logran entablar una relación apropiada, ni con el espacio ni con la sociedad que lo habita. Se vuelven excéntricos y, de esta manera, viven vidas marginales al modelo propuesto. Cabe mencionar que muchas veces esta percepción enrarecida es inmanente a ellos mismos, es decir, sólo ellos se sienten raros, mientras que los demás los admiran con obnubilación.

FAMILIA

El entorno familiar aparece representado como una parte clave del aislamiento al que están confinados los personajes. Esto puede verse claramente en The Virgin Suicides, donde Ronald Lisbon (James Woods) y su esposa (Kathleen Turner) sentencian a una vida a puerta cerrada a sus cinco hijas luego del intento (y posterior logro) de suicidio de Cecilia. El encierro que les imponen, sumado a la faja moral que subyace a esta estrategia (se trata, después de todo, de una familia católica aterrorizada de las influencias externas), tensa al extremo la relación de las hijas con sus padres y todo acaba en un suicidio en masa.

En Lost in Translation desaparece el cuadro familiar básico (padres e hijos) y es reemplazado por la relación conyugal entre Charlotte y John (Giovanni Ribisi). Si bien no hay en este caso una voluntad de encierro para con Charlotte por parte de John, el abandono que hace de ella en un hotel de Tokio produce un efecto similar, pues ¿qué puede hacer una joven norteamericana que no habla una palabra de japonés en una ciudad como Tokio, a la que fue en calidad de acompañante y no por un interés propio? Bob Harris, por el otro lado, se encuentra solo en ese hotel (también, de alguna manera, abandonado por su cónyuge), y es esa soledad la que lo define como personaje y perfila su accionar.

La relación de pareja fallida e incomunicada reaparece en Marie Antoinette, en donde Luis XVI (Jason Schwartzman) no logra entablar un vínculo con la joven heredera del trono. Por otro lado, María Antonieta recibe la presión no sólo de toda la corte, sino de su propia madre (Marianne Faithful) y su hermano (Danny Huston) para hacer las cosas bien, es decir: reproducirse, y asegurarse así la corona sobre la cabeza. En estos tres casos se trata de situaciones de crecimiento, en donde la familia representa una celda de la que se quiere salir (y a la que se vuelve entrar, en el caso de Charlotte y María Antonieta).

Somewhere marca un quiebre en este aspecto, principalmente debido a que lo familiar no es vivido en esta película como algo negativo, sino todo lo contrario. Johnny Marco se encuentra sumergido en su propia soledad en un hotel de Los Ángeles, cuando su hija Cleo (Elle Fanning) aparece en su cuarto para quedarse con él durante una temporada.

ESPACIOS ARTIFICIALES

Los espacios en las películas de Sofia Coppola siempre tienen algo del orden de lo artificial, y en parte es esto lo que vuelve tan extraña la experiencia de los personajes. The Virgin Suicides transcurre en suburbio norteamericano de los setenta plagado de todos los clichés posibles, en un estilo similar al que pudo verse en las mejores épocas de la serie de TV Desperate Housewives. Sumado a ese entorno está la estricta política de los Lisbon para con sus hijas. En Lost in Translation el espacio es Tokio, ciudad artificial por antonomasia junto con París y Nueva York, en la medida en que están hiper-mediatizadas y hacen un negocio de ser lo que parecen y viceversa. El palacio de Versailles en Marie Antoinette presenta un caso similar, puesto que todo está regido por normas protocolares que deben seguirse al pie de la letra, desde la indumentaria hasta la forma de vida. Somewhere, finalmente, presenta un caso similar al de Lost in Translation, debido a que gran parte del film transcurre en un hotel, pero el recorrido por la ciudad queda reducido a la carretera. El espacio representado es esta vez el de los lugares de tránsito: hoteles (aquel en el que se hospeda Johnny en L. A., pero también los que se usan para presentar las películas), aeropuertos, medios de transporte, etc. La artificialidad de los escenarios puede pensarse como la representación de la imposibilidad por parte del sujeto de conectarse con el medio en la sociedad contemporánea.

ENNUI

El mundo extraño, sumado al aislamiento (tanto social como espacial) produce un efecto de melancolía en los personajes de Sofia Coppola. Se trata siempre de sujetos solitarios, con una clara tendencia al aburrimiento y a la depresión. The Virgin Suicides es quizás el caso más extremo de todos, en tanto el contexto ejerce tal presión en el personaje de Cecilia (la más joven, la poeta maldita) que acaba suicidándose, sendero que siguen luego el resto de sus hermanas. En Lost in Translation, Charlotte no sabe qué hacer de su vida encerrada en un hotel en una ciudad más que diferente, mientras que Bob Harris se siente cada vez más ajeno a lo que está haciendo en Tokio. En Marie Antoinette, la joven y futura reina encuentra tedioso el protocolo del palacio, a la vez que debe hacer frente a las burlas de las otras cortesanas. En Somewhere Johnny Marco no soporta más el estilo de vida de estrella de Hollywood, ya todo le resulta más de lo mismo.

No obstante, los personajes de Sofia Coppola logran salir del círculo vicioso del tedio una vez que aceptan su condición de excéntricos y logran explotarla para su beneficio (aunque sea por un momento); al mismo tiempo que entablan alianzas con otros personajes en condiciones semejantes. De esta manera, las chicas excluidas de Lick the Star forman un grupo y traman una venganza en conjunto, mientras que las hermanas Lisbon que sobreviven al primer suicidio acceden a vivir temporalmente como adolescentes, yendo al baile con el grupo de chicos compañeros del colegio sobre el que ejercen un efecto hipnotizante. Charlotte encuentra en Bob Harris un compañero para luchar contra la soledad y, juntos, arman su propio recorrido por la ciudad. María Antonieta hace de su excentricidad una marca personal y la convierte en carisma (al punto de llegar a su frase más célebre y apócrifa: “¿No tienen pan? ¡Que coman torta!”), al mismo tiempo que encuentra en el Conde Fersen (Jamie Dornan) la satisfacción que no puede brindarle su marido. Finalmente, Johnny Marco encuentra en la paternidad la forma de vida que estaba buscando sin saberlo y se da cuenta de que su hija Cleo es la línea de fuga necesaria para salir de su estado de melancolía.

Si bien por un lado la melancolía de los personajes de Sofia Coppola puede ser leída como el aburrimiento de la alta sociedad (una interpretación que se repite al unísono con cada nuevo estreno), también se la puede pensar como un elemento emergente de las transformaciones en la vida cotidiana de la sociedad. Así como el siglo XIX fue el momento de emergencia de la ciudad como la conocemos hoy en día, el siglo XXI (y sus albores hacia fines del siglo XX) presenta un cambio de magnitud similar. Teniendo en cuenta que la globalización alcanzó su punto máximo con la masificación de internet, la ciudad (y, por ende, la vida en ciudad) dejó atrás la restricción del mapa político, la aldea se volvió realmente global y la melancolía del flaneur de Poe y Baudelaire creció también exponencialmente.

VIAJE

El viaje es un motivo que reaparece constantemente en el cine de Sofia Coppola. En un nivel general, esto puede verse en el desplazamiento de personajes como Charlotte en Lost in Translation (de Estados Unidos a Japón), María Antonieta (de Austria a Francia) o Johnny Marco en Somewhere (de Estados Unidos a Italia). Sin embargo, en un nivel más específico, el viaje también aparece en menores magnitudes, pero con igual importancia. Por ejemplo, las secuencias de apertura de The Virgin Suicides, Lost in Translation y Somewhere consisten en automóviles desplazándose (de un lugar a otro en los dos primeros casos y en un círculo vicioso en el último).

Considerando que el viaje es una instancia en la que el imaginario de lo uno y de lo otro se pone en funcionamiento, tiene sentido pensar que el sentimiento de alienación de los personajes de Sofia Coppola se debe en parte a este fenómeno. Se trata en todos los casos de ser siempre un otro.

GÉNERO

A primera vista, el cine de Sofia Coppola puede parecer un cine orientado principalmente a la sensibilidad femenina. Los protagonistas de sus películas suelen ser mujeres jóvenes, tristes y aburridas que buscan la manera de alcanzar una experiencia satisfactoria de la vida. Sin embargo, el hombre aparece también representado en este mismo sentido, es el caso de Bob Harris en Lost in Translation y Johnny Marco en Somewhere. Ambos personajes, a pesar de ser hombres adultos, también están tristes y aburridos y están en la misma búsqueda que sus contrapartidas femeninas. Se puede pensar entonces el empleo del universo femenino, no como un tratado de género, sino como un ejemplar del ser y sentirse extraño en el mundo.

Por otro lado, el imaginario de lo femenino forma parte también de la estética de Sofia Coppola. Esto puede rastrearse no sólo en su trabajo en cine, sino también en sus publicidades (las de Christian Dior, por ejemplo) y video-clips (“I just don’t know what to do with myself” de The White Stripes, por nombrar sólo uno).

INDIE

La estética adoptada por Sofia Coppola en sus películas es la típica del cine independiente norteamericano (desde Jim Jarmusch y Gus Van Sant, para acá). El ritmo es generalmente lento y la acción, al igual que el diálogo, está reducida al mínimo. Los planos suelen ser largos y distantes, es más lo que no pasa que lo que efectivamente pasa y en esa desolación es donde se juega la experiencia de los personajes.

Pero no es sólo en el aspecto visual y en el guión donde la estética indie prima en los films de Sofia Coppola, sino también en la elección de las bandas sonoras. Generalmente, incorpora a sus películas música de bandas pertenecientes a la escena independiente de los 90, con la que tuvo una relación bastante cercana (ver si no los video-clips “Mildred Pierce” de Sonic Youth y “Electrobank” de The Chemical Brothers, ambos protagonizados por ella).

El empleo de este tipo de música aporta en gran parte a la poética de Sofia Coppola, en la medida en que genera una clave de lectura para los personajes y las situaciones en que se encuentran. El caso paradigmático es Marie Antoinette, que relee el cine histórico en clave punk, post-punk y new wave gracias a la banda sonora (que va de Siouxsie & the Banshees a The Strokes, pasando por The Cure y New Order) que sirve de telón de fondo para la vida de la reina adolescente. Lost in Translation presenta una situación similar, en la que la música desoladora de Death In Vegas y My Bloody Valentine dialoga con el humor de la película (y su protagonista). The Virgin Suicides y Somewhere, por el otro lado, cuentan con una banda sonora compuesta especialmente (por Air y Phoenix respectivamente) que, como en los otros casos, hacen a la atmósfera opresiva y melancólica de los films.

JULIO en el Club de Lectura de Brandon

2011-07-01T16:38:00.003-03:00

El Club de Lectura de Brandon se reúne todos los meses para charlar sobre libros que abordan distintos aspectos de la temática LGTTBI. Es un espacio distendido donde nos juntamos a compartir nuestras reflexiones con amigos, a tomar algo y a conocer gente nueva. En Julio nos encontramos el jueves 14/07 a las 20 hs a discutir La guerra de las mariconas de Copi.
Ya te podés inscribir vía mail (clubdelectura@brandongayday.com.ar o martinvillagarcia@gmail.com) o en Brandon (Luis María Drago 236, abierto de jueves a domingo a partir de las 20 hs). El precio es de $40 por mes y los podés pagar por adelantado o el mismo día del encuentro. Una vez que te inscribas, te vamos a entregar una guía de lectura con puntas de análisis y lecturas sugeridas. ¡Te esperamos!

JULIO

Jueves 14/07 20 hs La guerra de las mariconas de Copi

Valor $40 (incluye guía de lectura)

Abierta la INSCRIPCIÓN

Casa Brandon (Luis María Drago 236, Almagro)

Las Islas

2011-07-01T16:34:00.001-03:00

“Ningún hombre es una isla, algo completo en sí mismo;

todo hombre es un fragmento del continente,

una parte de un conjunto”.
John Donne

Para No-Retornable (en colaboración con Sol Echeverría)

Con esta obra, el director Alejandro Tantanián se embarcó hacia Las islas de Carlos Gamerro, una novela extensa y compleja cuya trama presenta varios niveles y escenarios. Por el contrario, la puesta los reduce a uno y entra así en combate con el territorio propuesto. Otro de los agregados más significativos respecto de la novela es la aparición de un presentador antes de que se levante el telón que habla del conflicto de la guerra de Malvinas y sentencia: “El que no ama a Malvinas, no es argentino”. Tras lo cual, siguiendo la propuesta escatológica que atraviesa la escena, el animador se retirará mostrando el culo.

A partir de ese momento comienza la historia de Las islas. Felipe Félix, el protagonista de Las islas, se recupera de la amnesia que borró su experiencia en Malvinas como el borrador a la tiza del pizarrón, al mismo tiempo que es contratado por Fausto Tamerlán para encontrar a su hijo, perdido desde la guerra. Con una suculenta recompensa en el horizonte, Félix se lanza en busca del tiempo perdido en un viaje que lo devuelve a la trinchera en que se convirtió su memoria.

Los fantasmas, evocados en la cita del Ulises de Joyce incluida en el programa, sólo se desvanecieron para volver con toda la brutalidad del recuerdo. La experiencia en Malvinas aparece como lo siniestro, emerge una y otra vez del suelo del escenario, transfigurada en los fantasmas de tres ex combatientes.

La puesta en escena es absolutamente extraña. Se compone por dos estructuras que asemejan, de manera hiperbólica el estrado donde se iza la bandera, pero que se desarman y muestran la inestabilidad del símbolo patrio. Los espacios circulares, donde iría colocado el mástil, giran cual sambas con los personajes adentro. Si bien se trata de dispositivos que funcionan para representar diferentes espacios, siempre prevalece lo informe por sobre la forma. El lugar, de esta manera, se expande y se contrae, se desdibuja como el recuerdo. Junto con la música en vivo de la banda, se produce un efecto de cine expresionista al estilo Metrópolis, más aún teniendo en cuenta que los hechos transcurren en una Buenos Aires de fantasía, hiper tecnológica en los ´90.

A través de elementos grotescos e hiperbólicos, una historia siniestra se abre paso sobre el escenario. Es la historia de un país marcado por la guerra, la represión y la corrupción. Allí el protagonista lucha por imprimirle su propia historia, humanizar el engranaje maquínico de una ciudad militarizada y tecnologizada. Porque diez años después de la dictadura militar, la ciudad entera permanece en estado de sitio, sólo que el control estatal ha sido reemplazado por el control empresarial. Las tecnologías bélicas empleadas en la guerra, la represión de la dictadura, las desapariciones y las ficciones encubridoras no han acabado sino que han mutado hacia otras formas.

Ficha técnico artística

Autoría: Carlos Gamerro

Actuan: Matias Barki, Nahuel Cano, Lucila Casalis, Analía Couceyro, Alan Darling, Ernesto Donegana, Juan Pablo Galimberti, Alejandro Genes, Ivan Moschner, Pablo Seijo, Denisse Van der Ploeg, Diego Velázquez, Julián Villar, Luis Ziembroski

Cantantes: Sebastián Holz

Músicos: Diego Penelas, Rodrigo Quirós, Cecilia Zabala, Alfredo Zucarelli

Vestuario: Marina De Caro

Escenografía: Sebastián Gordín

Escenotécnia: Duilio Della Pittima

Iluminación: Alejandro Le Roux

Video: Fabio Pallero

Música original: Diego Penelas

Asistencia artística: Mariano Tenconi Blanco

Director musical: Diego Penelas

Dirección: Alejandro Tantanian

Web: http://lasislas2011.blogspot.com/

TEATRO PRESIDENTE ALVEAR

Av.Corrientes 1659 (mapa)

Capital Federal - Buenos Aires - Argentina

Teléfonos: 4373-4245 / 4374-9470

Web: http://www.complejoteatral.gob.ar

Entradas desde: $ 15,00 - Domingo - 19:30 hs - Hasta el 03/07/2011

Entradas desde: $ 10,00 - Miércoles - 20:00 hs - Hasta el 03/07/2011

Entradas desde: $ 15,00 - Jueves, Viernes y Sábado - 20:00 hs - Hasta el 03/07/2011

El rey ha muerto

2011-07-01T16:30:00.003-03:00

Para No-Retornable

Una noche en el castillo es una obra teatral colectiva producto de la convergencia de distintas disciplinas artísticas. Contando con una banda en vivo, una pantalla con proyecciones, acróbatas, payasos, clowns y actores, se presenta como una puesta en abismo del circo cortesano, en un desfile de personajes que acuden ante la inminente muerte del rey.

La anécdota es sencilla: el rey (Julián Lucero) está muriendo y no hay quién lo suceda, puesto que la princesa (Gabriela Biebel) aún permanece soltera. Es así como acuden al reino uno a uno los muchachos que quieren cortejar a la joven heredera, presa de los anhelos frustrados de una madre (Sara Calla) que la maneja de cerca. La agonía mantiene al rey en un vaivén permanente entre la realidad y la fantasía. La realidad, por un lado, junto a su fiel compañero, El Chelo (Malena Vieytes) y, al mismo tiempo, lejos de su familia; y la fantasía, por el otro, poblada de criaturas mágicas que parecen volar a su alrededor (Gina Peiretti, Sofía Divo Rey y Laura Sabán).

El espectáculo se vuelve todo el tiempo grotesco y obsceno, en la medida en que aquello que está en discusión desde el principio es la virginidad de la princesa, lista para ser arrebatada por el mejor postor. Es la reina quien mejor encarna el deseo reprimido (atado por años y años de matrimonio y, finalmente, puesto en libertad por el pronto deceso del rey), en un desborde clown del que su hija no puede evitar contagiarse. Finalmente, de los tres candidatos que se presentan, es el más inescrupuloso de todos el que resulta triunfador.

La corte, compuesta por la familia real y el asistente del rey, se acopla con el público inmediatamente que comienza el desfile de los candidatos. Esto, sumado a la labor del bufón que hace las veces de presentador (Martín Orchessi), convierte a la obra de teatro sobre la muerte del rey en la obra de teatro de los sujetos que se presentan, cada uno en un despliegue escénico diferente, desde el malabarista (Agustín "rompotodo" Librandi) al príncipe (Sergio Ballerini), pasando por el equilibrista y las malabaristas que pueblan el sueño del rey. Una noche en el castillo deviene así en un espectáculo integral, donde el protagonista verdadero es el escenario que reúne sobre sí todo tipo de talentos.

Ficha técnico artística
Actuan: Sergio Ballerini, Gabriela Biebel, Sara Calla, Julián Lucero, Martin Orchessi, Malena Vieytes
Acróbatas / Malabaristas: Sofia Divo Rey, Agustin Librandi, Gina Peiretti, Laura Saban
Músicos: Maximiliano Álvarez, Eduardo Baeza, Santiago Mazzanti, Matias Puntillo
Iluminación: Adrián Chicho Ruiz, Patricio Testolin
Diseño de maquillaje: Claudia Jimenez
Video: Lucila Bucari, Tomás Larrinaga
Arte: Matías Cremades

Web: http://www.unanocheenelcastillo.blogspot.com
TEATRO MANDRIL
Humberto Primo 2758
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 4308-6253
Web: http://www.arcoyra.com.ar/
Bono contribución: $ 25,00 - Viernes - 23:30 hs - Hasta el 24/06/2011

MAYO en el Club de Lectura de Brandon

2011-04-26T13:00:00.004-03:00

El Club de Lectura de Brandon es un espacio donde nos juntamos a charlar sobre libros con amigos, a relajarnos, a tomar algo y a conocer gente nueva. Las reuniones son todos los meses en la casita y los libros abordan siempre algún aspecto de la temática LGTBI. En Mayo la propuesta es encontrarnos el jueves 26/05 a las 20hs a charlar sobre Desarticulaciones de Sylvia Molloy. Ya te podés inscribir en Brandon (Luis María Drago 236, abierto de jueves a domingo a partir de las 20 hs) o vía mail (clubdelectura@brandongayday.com.ar o martinvillagarcia@gmail.com) y el precio es de $40 por mes, que los podés pagar por adelantado o el mismo día del encuentro. Una vez que te inscribas, te vamos a entregar una guía de lectura con puntas de análisis y lecturas sugeridas. ¡Te esperamos!

MAYO
Jueves 26/05 20hs Desarticulaciones de Sylvia Molloy
Valor $40 (incluye guía de lectura)
Abierta la INSCRIPCIÓN
Casa Brandon (Luis María Drago 236, Almagro)

El crepúsculo de los dioses

2011-04-12T10:17:00.002-03:00

Para No-Retornable

Las estrellas nunca mueren es una adaptación teatral del famoso thriller cinematográfico ¿Qué paso con Baby Jane? (Robert Aldrich, 1962). Flor (Eusebio Poncela) y Elvira (Humberto Tortonese) son las hermanas Del Río, estrellas infanto-juveniles de antaño que se encuentran en la ruina, tanto en lo personal como en lo monetario. Estando una paralítica (Flor) y la otra completamente desquiciada (Elvira), no pueden sino hacerse las vidas imposibles; Flor a Elvira por su belleza y su éxito, Elvira a Flor por el modo en que la tiene sometida.

El tiempo es el problema principal que plantea la obra. Las dos protagonistas están plenamente atravesadas (de muerte) por el paso del tiempo y todo el discurso es en pasado: todo ya fue, ya pasó y en el presente no queda nada más que la ruina en que se convirtieron mutuamente. En este mismo sentido, el otro problema del que ambas hermanas están afectadas es el de lo imaginario. Una vez convertidas en freaks, no les queda otra salida más que el encierro en la vieja mansión, mirando sus antiguos éxitos (esas diapositivas congeladas en el tiempo) uno atrás del otro, para luego espantarse de lo que quedó. Si bien la obra está interpretada en clave cómica, el motivo es más bien dramático. Esto crea un efecto desconcertante hacia el final, de la misma manera que ocurría en la adaptación de Tortonese de La voz humana de Jean Cocteau.

A mediados de los años 90 ya hubo un antecedente de Las estrellas nunca mueren que fue Las sangrientas hijas del Dr. Lecter, una obra teatral de culto escrita, dirigida y protagonizada por la dupla que formaban Peter Pank y Gaby Berardi en el mítico teatro Bululú. Ellos ya habían hecho la lectura en clave cómica de ¿Qué pasó con Baby Jane? y ya la habían convertido en un objeto camp y bizarro a la máxima potencia, con sangre y extremidades corporales desmembradas incluidas. Las estrellas nunca mueren no se termina de jugar del todo en ese aspecto; si bien incluye elementos de lo bizarro y Tortonese compone un personaje que raya siempre con la Joan Crawford de Faye Dunaway en Mamita querida (Frank Perry, 1981), todo parece estar rebajado para una acogida masiva.

La obra no sólo reúne a dos actuales leyendas de la movida de los años 80 (Eusebio Poncela por de la movida madrileña y Humberto Tortonese por el Parakultural), sino que pone en práctica sus mismos recursos. 20 años después ya no hay nada nuevo para ver.

Ficha técnico artística
Autoría: Facundo Fuentes De La Oca, Eusebio Poncela
Actúan: Loren Acuña, Sergio Pángaro, Eusebio Poncela, Cristina Talio, Humberto Tortonese
Vestuario: Adriana Cavicchia
Escenografía: Ariel Villarreal
Diseño de vestuario: Cecilia Del Puerto
Música: Sergio Pángaro
Fotografía: Facundo Fuentes De La Oca, Marcelo Tarsitano
Producción ejecutiva: Rubén A. Garcia
Producción: Maria del Valle Ferrazza, Carola Gamundi
Producción general: Nestor Calvi, Sergio Llabrés, Guido Naya
Jefe de escenario: Florencia González
Dirección: Facundo Fuentes De La Oca, Eusebio Poncela, Humberto Tortonese

PASEO LA PLAZA
Av Corrientes 1660
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 6320-5350
Web: http://www.paseolaplaza.com.ar
Entradas desde: $ 90,00 - Domingo y Jueves - 20:45 hs
Entradas desde: $ 90,00 - Viernes - 21:30 hs
Entradas desde: $ 90,00 - Sábado - 20:00 hs y 22:00 hs

Relámpagos de lo invisible

2011-04-10T18:01:00.002-03:00

Para No-Retornable

Gabriela Biebel y Andrés Sahade presentan, en el marco del Taller de Montaje Autogestivo, una nueva versión de La tempestad de Shakespeare en clave clown. La obra conserva el espíritu del dramaturgo inglés, al mismo tiempo que lo pervierte y profana, en un gesto similar al de Marcel Duchamp al dibujarle el bigote a La Gioconda.
La historia es esencialmente la misma que todos conocemos. Próspero (Javier Nichela), exiliado por la fuerza de Milán junto a su hija Miranda (Tamara Cuesta), queda junto a ella a la deriva de la civilización en una isla remota. Desde allí conjura la tempestad que trae a sus nuevos dominios el barco cuya tripulación consiste en Renata (Lara Castro), la reina de Nápoles; su hijo, Fernando (Gonzalo Amor); Benedicta, su hermana (Camila Cruz); su bufón, Urania (Mercedes Najman); su cocinera, Aurelia (Sara Calla); y, por último, Úrsula (Mora Montemurro), la hermana traidora de Próspero. A partir de entonces, se sucede toda una serie de enredos que produce el choque entre dos mundos y, esencialmente, dos formas de vida muy distintas.
La tempestad se abre con una inmersión en la oscuridad total de la sala, interrumpida brevemente por destellos de luz que otorgan momentáneamente la voz a los diferentes personajes para sentar precedentes sobre sí mismos. La vuelta a la luz produce el efecto de la caída en el sueño, no sólo del espectador, sino de los mismos personajes que naufragan. De la misma manera que Alicia en el país de las maravillas o los hermanos Darling de Peter Pan en el país de Nunca Jamás, se internan en una tierra desconocida habitada por criaturas fantásticas.
La estética de la obra remite a los musicales de Hollywood de principios del siglo XX, puestos en práctica, además, por cada una de las canciones interpretadas. Por otro lado, el maquillaje y el vestuario responden al arte del cine expresionista. Aurelia (Sara Calla), la cocinera, es quien mejor sostiene este rasgo, acentuado por una interpretación absolutamente clownesca de su personaje, de la misma manera que Calibán (interpretado por Andrés Shade) ofrece la interpretación más grotesca y monstruosa, acorde a su personaje, el esclavo de la isla.
La relectura que hacen Sahade y Biebel en su adaptación de La tempestad pone el acento en elementos que la obra original conserva como alegóricos. La isla a la que todos van a parar no es otra cosa que América, las Indias, y lo que se pone en escena es su descubrimiento, conquista y subsiguiente sistema de colonialismo, especialmente en la domesticación de los habitantes de la isla, como Fortunata (Gabriela Goldenberg) y sus secuaces (Soledad Cardigni y Anita Conde). Por último, la mirada torcida con la que se encara el proyecto hace del sexo el horizonte de todos los personajes, especialmente del triángulo que forman Miranda, Fernando y Calibán.

Ficha técnico artística
Autoría: William Shakespeare
Adaptación: Andrés Sahade
Traducción: Marcelo Cohen, Graciela Speranza
Actuan: Gonzalo Amor, Sara Calla, Soledad Cardigni, Laura Castro, Anita Conde, Camila Cruz, Tamara Cuesta, Gabriela Goldenberg, Mora Montemurro, Mercedes Najman, Javier Nichela, Andrés Sahade
Vestuario: Tamara Cuesta
Escenografía: Camila Cruz
Maquillaje: Lisandro Outeda
Diseño de luces: Paula Fraga
Música original: Gabriela Goldenberg
Operación de luces: Sebastián Francia
Operación de sonido: Cristian Dietz
Fotografía: Sergio Ballarini
Entrenamiento en danza: Lucía Pochat
Coordinación de producción: Anita Conde, Mora Montemurro
Supervisión: Daniel Casablanca
Dirección: Gabriela Biebel, Andrés Sahade

CENTRO CULTURAL RICARDO ROJAS
Av. Corrientes 2038

Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 4954-5521 / 4954-5523 / 4954-5524
Web: http://www.rojas.uba.ar
Entrada: $ 20,00 - Jueves - 21:00 hs - Hasta el 26/05/2011

Una burguesía para la nación

2011-04-08T12:09:00.000-03:00

Para No-Retornable

En Ala de criados Mauricio Kartún vuelve una vez más sobre los albores de la modernidad argentina explorada en El niño argentino, esta vez haciendo foco en la infame semana trágica de enero de 1919. Con una puesta en escena austera, que consiste en una roca de playa gigante con un poco de arena a su alrededor, lo que queda puesto en primer plano de inmediato es el texto, mediatizado por los actores.
Tatana (Laura López Moyano) y sus primos Pancho (Rodrigo González Garillo) y Emilito (Esteban Bigliardi), provenientes de una familia pudiente y burguesa de la clase alta argentina, se encuentran de vacaciones en la playa marplatense, ajenos a la revuelta en un club de tiro, donde despliegan en todo su esplendor el aburrimiento de la aristocracia, que apenas los deja levantarse del cansancio que les produce hacer nada. Esto es así hasta que llega el cuarto en discordia, Pedro (Alberto Ajaka), un empleado del club que se define por su diferencia. No tiene ni los modales, ni el vocabulario, ni las costumbres, ni la moral de los primos Guerra. Esta completa otredad no hace sino seducir a los tres, que encuentran en él un amante y, al mismo tiempo, la vía para rendir tributo al Tata (el abuelo, el pater familias del clan Guerra), haciendo patria y matando bolcheviques, en un arrebato digno de Alex DeLarge y sus drugos en La naranja mecánica.
Cada escena de la obra coincide con un momento de vida registrado por Tatana en su diario, puesto que Ala de criados está tejida por el racconto que ella misma hace de aquellos días que quedaron en el pasado (efecto subrayado por los pasajes musicales, que se escuchan como si provinieran de un lugar muy lejano, en el espacio y en el tiempo). Su discurso, plagado de gestos y alusiones literarias, remite inmediatamente a familias como los Ocampo, padrinos de la cultura de la clase alta argentina de principios del siglo XX. Además, la niña Tatana, al igual que la joven Victoria, también es una inadaptada que se rebela de su posición de mujer educada y sumisa, en pos de experimentar por fuera de su jaula de oro con actividades más tradicionalmente masculinas y convertirse en escritora.
Ala de criados es una muestra en miniatura del siglo XX argentino, inaugurado y clausurado por la irrupción de la violencia. Por un lado, se trata de una instantánea de los últimos tiempos del esplendor de la oligarquía argentina, en la medida en que Mar del Plata todavía conserva en la obra su estatus de sitio de retiro vacacional por excelencia de la alta burguesía, espacio que se pierde drásticamente luego del ascenso del Peronismo. Por otro lado, la semana trágica y la xenofobia que acarrea (sumada al antisemitismo) funcionan como alegorías de los desastres por venir y de una lucha de clases que recién comenzaba. El personaje de Pedro prefigura al reventado, aquel que no se identifica con ningún estrato o clase social, sino que más bien se inclina hacia el que más le conviene dependiendo de las circunstancias. Por último, los métodos de asesinato utilizados para deshacerse de los indeseables adelantan los modos de desaparición del último gobierno militar.

Ficha técnico artística
Autoría: Mauricio Kartun
Actuan: Alberto Ajaka, Esteban Bigliardi, Rodrigo González Garillo, Laura López Moyano
Vestuario: Gabriela A. Fernández
Escenografía: Graciela Galán
Iluminación: Alejandro Le Roux
Diseño sonoro: Guillermo Juhasz
Fotografía: Malena Figo, María Luz García
Asistencia de escenografía: Valeria Cook
Asistencia de vestuario: Julia Kovadloff
Asistencia técnica: Alan Darling
Asistencia de dirección: Gabriela A. Fernández
Prensa: Daniel Franco, Paula Simkin
Diseño de movimientos: Luciana Acuña
Dirección: Mauricio Kartun

TEATRO DEL PUEBLO
Av Roque Sáenz Peña 943
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Reservas: 4326-3606
Web: http://www.teatrodelpueblo.org.ar
Entrada: $ 50,00 - Domingo - 20:00 hs
Entrada: $ 50,00 - Viernes y Sábado - 21:00 hs

¿Cómo vivir juntos?

2011-04-07T11:06:00.004-03:00

Para No-Retornable

Con Todo, Rafael Spregelburd pone sobre el tapete los problemas de convivencia en tres contextos comunitarios particulares: la oficina, el comedor familiar navideño y la cocina en una noche lluviosa. Las tres situaciones implican diferentes tipos de relaciones entre los personajes y, por ende, distintos conflictos, narrados y/o comentados por la voz en off de uno de ellos.
En primer lugar está la oficina de registros, donde un grupo de trabajo se desempeña como puede ante el ataque de orden limpieza de uno de los empleados (Pablo Seijo). La tensión, generada por los deseos ocultos de unos (Mónica Raiola), los delirios de otros (Alberto Suárez) y la insolencia de la empleada más nueva (Andrea Garrote), llega al punto en que todo termina ardiendo en llamas, empezando por el dinero. Todo, mientras un pobre hombre (Rafael Spregelburd) es mandado de acá para allá para, preso de los laberintos de una burocracia digna de Kafka. En segundo lugar está el comedor familiar de la navidad del año pasado. La empleada con más antigüedad (Mónica Raiola) recuerda cómo todo se desmoronó en ese momento: la relación con su hijo, su ex marido (Pablo Seijo) y su compañero que le gusta (Alberto Suárez). Todo mientras su hermano (Rafael Spregelburd) intenta explicar por qué quemar libros de filosofía es arte y no un capricho, a la vez que su novia (Andrea Garrote) subvierte uno por uno los emblemas de la fiesta, desde el árbol hasta la picada de quesos. Por último, está la cocina de la casa de un escritor (Rafael Spregelburd), que sirve de refugio en una noche de lluvia para él y sus colegas (Mónica Raiola y Alberto Suárez). Sin embargo, rápidamente queda enfrentado a la obsesión de su mujer (Andrea Garrote) con su bebé enfermo y a la apatía del médico (Pablo Seijo). Todo mientras una voz en off establece un paralelismo con un desastre de dimensiones bíblicas al narrar la propagación de las siete plagas.
La narración en off produce un efecto literario en la obra, al mismo tiempo que genera un distanciamiento comparable con el del teatro épico de Brecht; efecto que se ve acentuado, por un lado, por el uso de utilería imaginaria durante la primera parte de la obra en la oficina y, por el otro, por la versatilidad de los actores, que interpretan diferentes personas de acuerdo con la situación. En este punto, Todo resulta comparable con el film Dogville (Lars Von Trier, 2003), en la medida en que en ambos casos se apela al recurso de la distancia y se presenta el problema de cómo vivir juntos en comunidad. En las tres situaciones es siempre el dinero el que provoca el choque de los personajes. La música, desesperante por momentos, ayuda a que todo lleve al estallido. Finalmente, la esquizofrenia del capitalismo acaba por ser deconstruida a través del fuego.

Ficha técnico artística
Autoría: Rafael Spregelburd
Actuan: Andrea Garrote, Monica Raiola, Pablo Seijo, Rafael Spregelburd, Alberto Suárez
Vestuario: Julieta Alvarez
Escenografía: Santiago Badillo
Iluminación: Santiago Badillo
Video: Agustín Mendilaharzu, Juan Schnitman, Alejo Varisto
Operación de luces: Fernando Chacoma
Fotografía: Nicolás Levín, Blu Mambor
Asistencia de escenografía: Ignacio Bozzolo
Asistencia de dirección: Ignacio Bozzolo, Lalo Rotaveria
Prensa: Walter Duche, Alejandro Zarate
Producción: Corina Cruciani
Dirección: Rafael Spregelburd

Web: http://www.teatrobeckett.com
BECKETT TEATRO
Guardia Vieja 3556
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Reservas: 48675185
Web: http://teatrobeckett.com/
Entrada: $ 40,00 - Viernes - 20:30 hs - Hasta el 30/07/2011
Entrada: $ 60,00 - Sábado - 20:00 hs - Hasta el 30/07/2011

Mundo fantasma

2011-04-06T00:46:00.002-03:00

Ya en su 2° episodio, la 3° temporada de United States of Tara plantea sus dos líneas argumentales principales a partir de dos preguntas:

1) ¿Cómo salir del mundo fantasma en que se convierte la ciudad natal? Marshall (Keir Gilchrist) y Kate (Brie Larson) llegaron al momento de sus vidas en que Kansas ya no es el sitio apropiado, la comunidad queda chica y es necesario expandir horizontes. Por un lado Osaka, Japón (plan que probablemente sea abortado, teniendo en cuenta el armaggedon reciente); por el otro, cualquier lugar donde la minoría sexual quede desdibujada.

2) ¿Cuál es el verdadero yo? Tara (Toni Collette) debe enfrentarse a su propio trastorno y ver qué tanto de mero sistema clasificatorio hay ahí y, al mismo tiempo, cuán reales son los otros sujetos que la habitan.

En busca del tiempo perdido

2011-04-05T00:51:00.008-03:00

Para No-Retornable

Con El pasado es un animal grotesco, Mariano Pensotti vuelve a sorprender con una propuesta teatral poco convencional. Montada sobre un dispositivo giratorio dividido en cuatro, la obra presenta cuatro historias independientes que se suceden la una a la otra sin parar. Todas ellas se expanden a lo largo de diez años, en el período que va de 1999 al 2009, poniendo de esta manera en abismo y en retrospectiva la década pasada.

Una de las historias es la de Mario (Juan Minujín). Enamorado de Dana (Pilar Gamboa) y sin saber qué hacer muy bien con su vida, intenta disfrutar su presente, pero sabe que el futuro se acerca y debe tomar decisiones con respecto al rumbo de su propia vida. Otra de las historias es la de Pablo (Javier Lorenzo), típico ejecutivo de oficina, que un día recibe por accidente o de casualidad un paquete con la mano de un muerto adentro. Este hecho le otorga un nuevo sentido a su vida, que será resolver ese misterio inexplicable. Otra historia es la de Laura (Julieta Vallina), que decide fugarse con su novio (Juan Minujín) de su pueblo natal con los ahorros que le robó a su padre rumbo a Francia. Una vez allí, se da cuenta de que el imaginario alimentado por el cine de la nouvelle vague y la literatura de la nouveau roman no coincide exactamente con la realidad. Por último está la historia de Vicky (Pilar Gamboa) que un día, revisando fotos de su padre, se da cuenta de que él tiene otra familia paralela con una hija de su misma edad. A partir de entonces se replantea su situación familiar y se embarca en un viaje de autodescubrimiento.

Las cuatro historias tienen cada una su protagonista, pero los actores cuentan con una versatilidad tal que pasan exitosamente de una a la otra, interpretando distintos personajes de acuerdo a la escena. Por otro lado, El pasado es un animal grotesco está narrada por la voz en off de los mismos actores, que se ocupan cada uno de una de las historias y de sus respectivos protagonistas. El efecto que esto produce es el de estar ante una obra literaria, de manera similar a lo que ocurre con la película Historias extraordinarias (2008) de Mariano Llinás. Al igual que la obra, el film cuenta las historias independientes de tres personajes distintos, narradas también por la voz en off de diferentes narradores omniscientes (cabe mencionar que uno de ellos es, casualmente, Juan Minujín). De alguna manera, de lo que se trata en ambos casos es de una apuesta por una forma de arte integral, en la que el soporte específico queda desestimado, en pos de incorporar recursos que le son ajenos; en este caso, la narración literaria. Por otra parte, la influencia del cine también está presente en la obra, lo cual no es raro teniendo en cuenta que Mariano Pensotti se desempeña también en ese campo. El tono de la obra, la elección de los personajes y la construcción de sus historias personales remite al nuevo cine argentino, en donde cobran protagonismo los relatos pequeños, mínimos, sobre los avatares de la vida de personajes pertenecientes a la clase media.

La extensión en el tiempo de las historias narradas en la obra pone en abismo la década pasada y coloca en contexto a los personajes, que se ven involucrados, directa o indirectamente, con hechos históricos que van desde la masificación de internet en el año 2000, hasta la crisis financiera mundial del 2008, pasando por la caída de las torres gemelas, los atentados del 2001, los conflictos en Medio Oriente, etc. No obstante, si hay algo que demuestra El pasado es un animal grotesco es que la historia nunca va de un extremo al otro directamente, sino que el azar rige la mayoría de los hechos, y que lo que empezó como un hecho casual puede desembocar en una tragedia.

Ficha técnico artística
Autoría: Mariano Pensotti
Actuan: Pilar Gamboa, Javier Lorenzo, Juan Minujín, Julieta Vallina
Vestuario: Mariana Tirantte
Escenografía: Mariana Tirantte
Iluminación: Matías Sendón
Música: Diego Vainer
Asistencia artística: Leandro Orellano
Dirección: Mariano Pensotti

TEATRO SARMIENTO
Av. Sarmiento 2715
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 4808-9479
Entrada: $ 45,00 - Domingo, Viernes y Sábado - 21:00 hs - Hasta el 13/03/2011
Entrada: $ 25,00 - Jueves - 21:00 hs - Hasta el 13/03/2011

La política del cuerpo

2011-03-25T18:31:00.005-03:00

En 1998 Marilyn Manson lanzó al mercado su disco más controversial hasta la fecha: Mechanical Animals. El escándalo no se generó por su contenido musical, que repetía en mayor o menor medida la consigna nihilista de su álbum anterior, Antichrist Superstar, sino por la tapa y el imaginario adoptado para esa era (es decir, los personajes interpetados por la banda, en uno de los tantos gestos Bowie del disco). Marilyn Manson había dejado atrás los corsets, los borcegos y las medias de red rotas, se había despojado de todo y aparecía ahora desnudo, con tetas, seis dedos en cada mano, gris y asexuado. Es decir: un extraterrestre. No era la primera vez que Manson avanzaba sobre su cuerpo, ya lo había hecho en sus performances anteriores en las que iba haciendo sobre su piel un dibujo de sangre con la ayuda de una gillette o cualquier elemento cortante que tuviera a la mano. Si la estética (y la consigna, por qué no) de Marilyn Manson ya era queer (ver si no su travestismo, su androginia y su defensa de la diferencia y de la libertad, es decir: su satanismo), Mechanical Animals llevó esto al extramo, algo que puede verse en la "Marcha por los derechos de Marilyn Manson" que se organizó en Buenos Aires en 1998 como parte de la campaña de lanzamiento del disco.

13 años más tarde, Lady Gaga lanza en 2011 Born This Way (el álbum sale el 23/05, pero la nueva era ya está acá) y reinstala el problema. Al igual que Manson, Gaga viene adoptando una poética absolutamente queer (en sus videos, en sus performances y en su estilo musical, como también en su actividad política), pero el nuevo álbum (junto con video, el single y las performances) recolocan la postura en su propio cuerpo. En la tapa de "Born this way", Lady Gaga aparece sin cejas, con cuernos y con prótesis en los hombros. Es decir: un extraterrestre. En su caso tampoco es la primera vez que hace política con el cuerpo; algunos años atrás, en pleno ascenso, corrió el rumor (jamás desmentido por ella) de que era trans y que tenía genitales masculinos y femeninos. Con Born this way Lady Gaga extrema su rareza y hace de sí misma y de sus fans una nueva raza nacida en el espacio, sin prejuicios y absolutamente libre.

Abril en el Club de Lectura de Brandon

2011-03-18T12:54:00.008-03:00

Para vos, que te gusta juntarte con amigos a charlar sobre libros y a tomar algo, que te gusta conocer gente nueva y buena onda, el Club de Lectura de casaBrandon es tu lugar ideal. Nos juntamos todos los meses en la casita a charlar sobre libros actuales de temática LGTBI y en Abril la propuesta es leer Osos de Diego Vecchio. El miércoles 13/04 a las 20 hs nos reunimos para hablar del libro y el miércoles 20/04, a la misma hora, contamos con el autor como invitado especial. Ya te podés inscribir en Brandon (Luis María Drago 236, abierto de jueves a domingo a partir de las 20 hs) o vía mail (clubdelectura@brandongayday.com.ar o martinvillagarcia@gmail.com) y el precio es de $40 por mes, que los podés pagar por adelantado o el mismo día del encuentro. Una vez que te inscribas, te vamos a entregar una guía de lectura con puntas de análisis y lecturas sugeridas. ¡Te esperamos!

ABRIL
Miércoles 13/04 20 hs Osos de Diego Vecchio
Miércoles 20/04 20 hs charla con el autor
Valor $40 (incluye guía de lectura)
Abierta la INSCRIPCIÓN
Casa Brandon (Luis María Drago 236, Almagro)

El amor en los tiempos del sida

2011-03-11T14:43:00.002-03:00

Para No-Retornable

Puede resultar complejo concebir la manera de adaptar un libro de crónicas a una puesta teatral. Por un lado, son géneros disímiles que apelan a formas de contar diferentes. Por el otro, el libro original de Pedro Lemebel está compuesto por crónicas que no tienen una continuidad narrativa. No obstante, Gerardo Begérez encuentra la manera de hacer esto posible.
La obra Loco afán está compuesta por una sucesión de cuadros en los que las anécdotas de las crónicas aparecen apropiadas por los personajes que las narran en primera persona, todas ellas travestis chilenas pertenecientes a la generación de los 80 e inicios de los 90. En principio se trata de monólogos, en los que se entabla un diálogo imaginario entre los actores y una segunda persona, ya sea un periodista que viene a investigar cómo son esas vidas, o el público en general. El tipo de monólogo es similar al que puede verse en la trasnoche de cualquier pub gay, y esto se puede considerar una revalorización de esta práctica; sin embargo, el texto de Lemebel y el clima de la obra en general la desestabilizan, la corren de lugar y la llevan a otro lado.
En todo caso, en su totalidad los personajes son hablados por el sida. El hilo conductor (tanto de la obra como del libro de Lemebel) es la conjunción de una serie de tres elementos: sida, travestismo y Latinoamérica. Es el caso de la prostituta compuesta por Marcelo Iglesias al comienzo, que cuenta sin pelos en la lengua cómo se ponen las tetas las travestis latinas, haciendo una demostración con su propio cuerpo. Marinero Miel encarna a una travesti que, como las que pueblan los cuentos de Naty Menstrual, ya está cansada de tanto andar sobre esos tacos chuecos y gastados, entregada al alcohol y con tanta mala suerte que se contagió el virus del HIV de la única persona con la que no se cuidó: un norteamericano. Este detalle no es casual, por detrás del texto hay una férrea militancia latinoamericana anti-Estados Unidos, que se puede ver también en el cuadro de Daniela Ruiz, en la que una loca fan de Liz Taylor escribe a su ídola una carta implorándole que le envíe una de las piedras preciosas de la corona de Cleopatra para conseguir el AZT necesario para vivir por unos meses más.
La muerte es una constante a lo largo de la obra, es la sombra que se proyecta sobre todos sus personajes, y la única manera de disiparla es por medio de la risa, el único remedio efectivo para calmar el dolor. Provistas de un humor ácido y negro azabache, estas travestis logran reírse de sí mismas, y la que mejor lo hace es la Camaleón, personificada por Hernán Torres Castaños. Aparte de someterse a sí misma a la risa, lo hace con el resto de sus compañeras, a las que bautiza nuevamente con nombres como “la yo-nó”, “la tacones lejanos”, “la sui-sida”, “la desapare-sida” o “la ven-sida”, entre muchos otros más. La obra se cierra con una escena en la que, como ocurre en Una visita inoportuna de Copi, uno de los personajes se encuentra al borde de la muerte y debe ser asistido por los demás. Si bien la risa prueba ser efectiva en el resto de la obra, en esta última escena la carcajada transita por la delgada línea que la separa del llanto hasta alcanzar la oscuridad del telón final.

Ficha técnico artística
Autoría: Pedro Lemebel
Concepción: Pedro Lemebel
Adaptación: Gerardo Begérez
Actuan: Marcelo Iglesias, Marinero Miel, Daniela Ruiz, Hernán Torres Castaños
Vestuario: Martín Sal
Diseño de espacio: Gerardo Begérez
Diseño de luces: Gerardo Begérez
Edición de sonido: Diego Neón
Musicalización: Marcelo Iglesias
Fotografía: Gastohn Barrios, Soledad Tejon
Asistencia de dirección: Marcelo Iglesias
Dirección: Gerardo Begérez

TEATRO LA COMEDIA
Rodriguez Peña 1062
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 4815-5665 / 4812-4228
Web: http://www.lacomedia.com.ar
Entrada: $ 50,00 - Viernes - 23:00 hs - Hasta el 27/05/2011
Entrada: $ 50,00 - Sábado - 23:00 hs - Del 01/03/2011 al 27/05/2011

Club de lectura en casaBrandon

2011-02-08T19:30:00.001-03:00

¿Nunca te pasó que leíste un libro y no tenías con quién comentarlo? ¿Tenés ganas de leer, pero te cuesta organizarte o encontrar el momento adecuado para hacerlo? ¿Querés leer historias como la tuya pero no sabés dónde encontrarlas? ¡Vení a la casita a leer con nosotros en el nuevo club de lectura! Vamos a juntarnos una vez al mes a charlar sobre libros de literatura argentina contemporánea de temática LGTB. El primer encuentro va a ser el jueves 10 de Marzo y vamos a hablar de Continuadísimo, el libro de cuentos de Naty Menstrual. La inscripción es a partir del jueves 10 de Febrero en Casa Brandon (Luis María Drago 236, abierto de jueves a domingo a partir de las 20 hs) y el precio es de $40 por encuentro. Una vez que te inscribas, te vamos a entregar una guía de lectura del libro, con puntas de análisis y lecturas sugeridas. Vení a compartir tu opinión, a conocer gente, a charlar, a discutir y a divertirte. ¡A leer, que ya falta poco!

INSCRIBITE a partir del 10/02
Valor $40
Incluye guía de lectura
1° encuentro jueves 10/03
sobre Continuadísimo de Naty Menstrual
casaBrandon
Luis María Drago 236 (Almagro)

¿Qué es la realidad?

2011-02-07T09:53:00.002-03:00

La realidad es (por lo menos desde la invención del psicoanálisis) una categoría que ha ido perdiendo cada vez más su estabilidad. Dos films del 2010 toman como punto de partida la puesta en cuestión de ese estatuto para llevarla hasta las últimas consecuencias: Inception (Christopher Nolan) y Black Swan (Darren Aronofsky).

Inception plantea un futuro cercano (por no decir inmediato, puesto que el único futuro que se puede imaginar luego del 2000 es el de mañana) en el que es posible ingresar a los sueños de las personas a voluntad, construirlos a gusto y, de esa manera, manipular sus inconscientes. El problema es que, una vez transgredido el sueño, se quiebra la barrera entre los sueños y la realidad, en la medida en que uno entra de verdad al sueño del otro. A partir de ese momento, lo real y lo imaginario se prestan a confusión y el peligro de perderse es inminente. Ante el abismo de sueños y realidad que se crea, los personajes deben optar por qué realidad les parece más real, como ocurre en Matrix (Andy y Lana Wachowski, 1999).

Black Swan narra el duro camino que debe atravesar Nina Sayers (Natalie Portman) para obtener el rol protagónico de El lago de los cisnes. Si bien al principio los obstáculos son efectivamente reales y acordes a la situación en que se encuentra (la competencia con las otras bailarinas, el lidiar con el acoso del director, etc.), pronto su peor enemigo pasa a ser ella misma y su imaginación, que no hace sino nublar su percepción de la realidad, empujándola cada vez más hacia la locura.

En ambos films el estatuto de lo real queda puesto en suspenso y los personajes permanecen presos en un limbo que está a medio camino entre la vigilia y la ensoñación, al cual pueblan con sus propios demonios interiores. En el caso de Inception, Cobb (Leonardo Di Caprio) debe enfrentarse con la memoria de su difunta mujer (Marion Cotillard); en Black Swan, Nina lidia con una madre sobreprotectora (Barbara Hershey), Lily (Mila Kunis), una bailarina que quiere su papel y Beth Macintyre (Winona Ryder) aquella a quien viene a reemplazar.

Las dos películas, por otro lado, se encuentran severamente influenciadas por el imaginario del animé, especialmente Ghost in the Shell (Mamoru Oshii, 1995) y Paprika (Satoshi Kon, 2006) en el caso de Inception y Perfect Blue (Satoshi Kon, 1998) en el de Black Swan. En primer lugar, como en Ghost in the Shell, el film de Christopher Nolan presenta la posibilidad de manipular el inconsciente a gusto. Por otro lado, como en Paprika, en Inception es posible ingresar a los sueños de las personas, solo que en vez de perseguir fines terapéuticos se trata más bien de obtener información o producir efectos. Perfect Blue y Black Swan, por último, presentan una trama casi idéntica: tanto Mima Kirigoe (la protagonista del film de Satoshi Kon) como Nina Sayers luchan por dar el gran salto (convertirse en una estrella de cine en un caso y encabezar El lago de los cisnes en el otro), deben hacer frente al mundo que las rodea (la competencia, las figuras represivas que tienen al rededor, etc.) y acaban perdiendo la razón y la moral en el camino. Si bien de a ratos la trama (y las escenas) bordean el plagio, Darren Aronofsky está cubierto en la medida en que compró los derechos de Perfect Blue con el fin de emular una de sus escenas en Requiem for a dream (2002).

La convergencia del cine con el mundo de la ensoñación funciona, de alguna manera, como una puesta en abismo. Es que el cine, como los sueños, se asemeja a la realidad, pero no lo es; más bien lo que hacen ambos es realizar el imaginario.

El futuro

2011-02-04T17:15:00.001-03:00

Tradicionalmente, el imaginario del futuro siempre estuvo poblado de autos voladores, rascacielos que trascendían la atmósfera, robots, etc. Sin embargo, inmediatamente después del año 2000 ese imaginario quedó truncado, junto con el género que más lo fomentó.

La ciencia ficción produjo hitos cinematográficos notables a lo largo de todo el siglo XX, desde la temprana Metrópolis (Fritz Lang, 1927) hasta The Matrix (Larry y Andy Wachowski, 1999), pasando por diferentes altibajos de acuerdo a la época y al contexto político. Conforme se iba acercando el fin del milenio, el imaginario del futuro se fue volviendo cada vez más oscuro y épico; es así como aparecen películas como Blade Runner (Ridley Scott, 1982) y Brazil (Terry Gilliam, 1985) en los '80 y Twelve Monkeys (Terry Gilliam, 1995) y The Fifth Element (Luc Besson, 1997) en los '90. El futuro hasta ese momento siempre fue el año 2000 y pico, y presentaba un mundo hiper-tecnologizado y, a la vez, devastado por este mismo hecho. Una vez alcanzado finalmente el año 2000, ese imaginario del futuro que había alimentado el siglo XX se diluyó.
En primer lugar, toda la paranoia y especulación respecto de la llegada del año 2000 (desde el Y2k hasta las predicciones de Nostradamus) resultaron falsas. En segundo lugar, el avance desmesurado de la tecnología ya había dejado de ser producto de la imaginación, era real y cada vez se volvería más rocambolesco. Por último, la irrupción del 9-11 fue el último peldaño que hacía falta para la realización de un futuro que hasta ese momento permanecía en la esfera de lo imaginario.
La entrada al año 2000 (al siglo XXI) fue la entrada al futuro, que a partir de entonces se convirtió en el presente, y el imaginario del futuro cambió. Ya no hay autos voladores, ni rascacielos, ni robots; la velocidad de la tecnología ya no deja margen para la imaginación, los avances están a la vuelta de la esquina y todo se vuelve viejo y obsoleto apenas es producido. El futuro dejó de ser algo distante y pasó a ser algo inmediato. Es por eso que la ciencia ficción solamente puede imaginar futuros próximos, como el de Inception (Christopher Nolan, 2010) o el de Children of Men (Alfonso Cuaron, 2006).

El arte como forma de vida

2011-02-01T15:51:00.004-03:00

Para No-Retornable

Una vez más el MALBA otorga su espacio a la vanguardia de los espléndidos años sesenta y dedica una retrospectiva al sinónimo del POP en la Argentina, Marta Minujín. Esto no resulta sorprendente teniendo en cuenta que las últimas grandes muestras del Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires estuvieron dedicadas a dos artistas vinculados con este período, Andy Warhol y Robert Mapplethorpe.
La muestra está organizada de manera cronológica, así que lo primero que se puede ver son los óleos de su primera época. Si bien Marta Minujín comienza a producir hacia fines de los años cincuenta, cuando lo que más adelante se llamaría arte Pop todavía no había nacido como tal, está claro que su obra está signada ya desde su inicio bajo la imaginación Pop. Sus primeras obras, cercanas en algún punto al expresionismo abstracto, trasladan e incorporan, al mismo tiempo, la música al arte pictórico, inaugurando de esta manera la alquimia que será su marca distintiva.
El leitmotiv que anima a Minujín es hacer arte de todo, convertir el arte en una forma de vida, y para eso es necesario convertir la vida en una obra de arte; el punto de partida es la vida privada: el dormitorio. Gran parte de su primera etapa está dedicada al exhibicionismo de la intimidad, desde su propio colchón devenido obra, hasta los colchones de colores manufacturados por ella misma, pasando por un cuarto todo acolchonado y la puesta en escena de la habitación de una pareja (con la pareja incluida).
A partir de este momento se puede decir que la categoría “arte” queda para siempre en cuestión. La obra de Minujín trasciende los límites, tanto de los sistemas de categorización como de los soportes, desestimando de este modo lo material para ligarse más bien con el tiempo y el espectáculo, ejes del arte del happening y de la performance, disciplinas que explotará al máximo. Es también en este momento, hacia mediados y fines de los sesenta, que la obra de Marta Minujín se convierte en un perpetuo estallido Pop, que culminará en su propio devenir mediática. Resulta lógico entonces que el siguiente paso en su obra sea la experimentación tecnológica y con los medios; obras como “Minuphone” o “Simultaneidad en simultaneidad” invierten y a la vez llevan al extremo el alcance de los medios masivos de comunicación. El recorrido por la primer parte de la muestra finaliza inmediatamente después de este punto, cuando encuentra en la experiencia hippie un modo de vivir el arte como forma de vida: desplegada en un cuarto donde todo hace pensar en el espíritu animado por la voz de Janis Joplin y la guitarra de Jimi Hendrix, a la vez que el empapelado de papel de aluminio plateado remite directamente a la Factory de Warhol y a los recitales multimediales y escandalosos de The Velvet Underground.
La muestra continúa en el primer piso, que recoge la obra producida a partir de los años setenta. En consonancia con el devenir de la historia latinoamericana, se puede ver como en este punto su obra se vuelve cada vez más política, al mismo tiempo que se encripta para evitar el destino de la mayor parte de los artistas argentinos durante la época: el exilio. Es en este período donde se lleva a cabo la performance “Kidnappening”, que presentaba una simulación de secuestro. Por otro lado, también pertenecen a esta época “Comunicado con tierra”, acción que tuvo como precepto la unión latinoamericana a través de la tierra misma y las fotografías con Andy Warhol, un poco más adelante en los ochenta, en las que Minujín le paga la deuda externa con maíz, “el oro latinoamericano”.
Una vez restituida la democracia tiene lugar el happening “El Partenón de libros”, un partenón construido enteramente con todas aquellas obras que habían sido prohibidas durante la última dictadura. Ya durante los ochenta, se da inicio a la seguidilla de happenings de grandes magnitudes por los que hoy en día Minujín es más conocida, como “El obelisco de pan dulce”, por ejemplo. En la terraza del museo, por último, se pueden ver las famosas esculturas fragmentadas, que revisan desde la contemporaneidad posmoderna de los ochenta el arte clásico y el mundo helénico.
El grueso de la muestra está constituido por registros, ya que la mayor parte de la obra de Marta Minujín fue destruida por la artista misma, ceremonia que celebró desde su primera etapa, que culminó con una hoguera pública. La destrucción es en realidad el paso final de su trabajo, aquello que lo completa; y es que el arte Pop es un puro presente y, como el Punk, efímero e instantáneo. Nadie lo dijo mejor que Kurt Cobain: “Es mejor quemarse que apagarse lentamente”.

Del 26 de noviembre al 7 de febrero de 2011. Sala 5 (2º piso), sala 3 y terraza (1º piso)
Marta Minujín. Obras 1959-1989
Curadora invitada: Victoria Noorthoorn

Tim Burton y el cine

2011-01-24T13:47:00.028-03:00

El 2010 fue un año muy Burtoneano, desde la retrospectiva de su obra que se montó en el MoMA (el Museo de Arte Moderno de Nueva York), hasta el estreno de su proyecto cinematográfico más ambicioso hasta la fecha: Alice In Wonderland (2010). Los dos acontecimientos obligan a echar una mirada hacia atrás y volver a ver.

De la filmografía de Tim Burton, hay ciertas películas que se convirtieron en lugares comunes de la crítica especializada. Un millón de veces se ha dicho que Edward Scissorhands es su mejor film, que The Nightmare Before Christmas es su último gran invento o que Sweeney Todd es el colmo de esa sociedad que formaron él, Johnny Depp y Helena Bonham-Carter. Pero hay otro sector de su obra que ha ido quedado en el olvido: su homenaje al cine.
En realidad, todas las películas de Tim Burton son un homenaje al cine, cuya piedra de anclaje se encuentra en su infancia y juventud en la Norteamérica de los años 60 y 70. Todo lo que Burton consumió durante esa época, luego se lo apropió y lo volvió a la vida de otra manera. Vincent (1982) es una relectura del mito de Vincent Price, en el que el legendario actor inglés deviene en una especie de superhéroe al que un niño quiere imitar. Frankenweenie (1984) retoma la tradición de las películas de monstruos de la Universal y la actualiza en una clave cómica y, a la vez, aún más siniestra. Batman (1989) y, en mayor medida, Batman Returns (1992), junto con Edward Scissorhands (1991) releen el cine expresionista alemán, tributando en partes iguales a Nosferatu (Murnau, 1922), El gabinete del Dr. Caligari (Wiene, 1920) y Metrópolis (Lang, 1927).
Una vez finalizada The Nightmare Before Christmas (1993), Tim Burton se embarcó en lo que fue una seguidilla de filmes en los que el homenaje pasó de ser una alusión estética a explicitarse del todo. El primero de ellos fue Ed Wood (1994), biopic dedicado a Ed Wood Jr., el llamado "peor director de la historia del cine", en quien se puede hallar un paralelismo con Burton, en la medida en que ambos tuvieron serios problemas a la hora de comenzar sus carreras cinematográficas. Luego vendría Mars Attacks! (1996), adaptación al cine de una colección de trading cards. Esta vez, luego del envión de la película anterior, Burton se propuso hacer un film a la Ed Wood, con un reparto lleno de estrellas al servicio de un despropósito de ciencia ficción, en el que los marcianos vienen a destruir la tierra porque sí.
Tres años después le llegó el turno a Sleepy Hollow (1999), homenaje a la Hammer, la productora inglesa de cine de terror gótico que tuvo su edad de oro en los años 60, retomando uno por uno los monstruos que la Universal había dejado. La Hammer, de alguna manera, es la escuela en la que se formó Burton. Si bien Sleepy Hollow es su más claro tributo (con Christopher Lee incluido), la influencia se puede ver también en el relato gótico de Edward Scissorhands, en los efectos vintage de Beetlejuice (1988) y en la estética de Sweeney Todd (2007), con los ríos de sangre corriendo por entre las baldosas.
Por último, Planet of the Apes (2001) le sirvió a Tim Burton para re-imaginar y reinventar un hito del cine y la tv de culto de los años 60. En su momento, y todavía hoy en día, resulta confuso el trabajo de Burton en este proyecto. Al contrario de cualquiera de sus otros films, es difícil rastrear en Planet of the Apes las marcas registradas de Tim Burton a nivel estético, excepto por los espantapájaros. No obstante, está claro que el hecho de revisitar una leyenda del cine y de la televisión es una típica estrategia Burtoneana. Charlie and the Chocolate Factory (2005) podría pensarse también de esta manera; si bien se trata de una adaptación nueva y más fiel al libro original de Roald Dahl, el film de Burton también revisa la versión de los 70, Willy Wonka and the Chocolate Factory (Stuart, 1971). En su próximo proyecto Dark Shadows (que saldría a la luz en 2012), nuevamente volverá a revisar otro hito televisivo de los años 60, la serie que cuenta los encuentros que se producen entre el vampiro Barnabas Collins (que será interpretado, cómo no, por Johnny Depp) y toda una serie de monstruos.
La obra de Tim Burton es un constante homenaje al cine y a la televisión con la que creció en los pesadillescos suburbios norteamericanos de la posguerra, fajados por la moral y la hipocresía, de los que encontró una vía de escape en las películas. De alguna manera, se puede afirmar que Burton permaneció (y sigue permaneciendo) fiel a sí mismo, a ese niño que como Vincent Malloy, el protagonista de su cortometraje Vincent, encontraba el placer no en jugar deportes al sol con el resto de los chicos, sino en lo siniestro del cine y la televisión de género.

La vuelta de los 90

2011-01-23T15:07:00.020-03:00

Así como durante la década pasada el gran regreso fue el de los 80, parece que ahora el turno es de los 90. Se puede pensar la moda (en general) como un dispositivo que hace uso de la figura del ritornello como su herramienta principal. Todo vuelve, todo el tiempo, y eso es algo que todo precavido sabe de antemano, por algo la ropa (no toda, claro) se archiva y no se tira, por algo existe la acumulación, la colección, que trasciende el gusto por lo instantáneo e inmediato.

Hacia el 2001, cuando todos los formatos musicales que había propuesto los 90 se agotaron (el nü metal fue el último manotazo de ahogado), surgió en Nueva York una escena liderada por The Strokes que, en vez de mirar al futuro, eligió mirar atrás, al Post-Punk inglés de finales de los 70 y principios de los 80. De esa manera, comenzó la nueva "nueva ola" musical, encarnada en bandas que no hacían sino homenajear a sus ídolos de los 80, como Interpol (Joy Division), The Killers (The Cure) o Yeah Yeah Yeahs (Siouxsie & The Banshees y Blondie). Rápidamente, esta mirada en retrospectiva musical halló su correlato en el cine, desde la infinita cantidad de remakes que se hicieron (el género terror es el que dio más frutos: Nightmare on Elm Street, Halloween y Friday the 13th, pero también Fame, Miami Vice y The A-Team), hasta la revisión del imaginario más clásico de los 80, como por ejemplo en Adventureland (Gregg Motola, 2009). Hacia mediados de la primera década del siglo XXI, todo se había vuelto "ochentoso": las publicidades, la indumentaria, ¡hasta los peinados! Pero todo tiene su tiempo de utilidad y, hacia finales de esta década, el flashback se agotó.

Otros hilos empezaron a moverse, a medida que el tejido anterior iba deshilachándose, y empezó lo que podría considerarse el regreso de los 90, en un movimiento muy similar al anterior. A la vez que eran homenajeadas por camadas más jóvenes de músicos, las bandas de los 80 devinieron dinosaurios y hallaron una nueva consagración, que fue acompañada por nuevas giras, más grandes que nunca, reuniones (auspiciadas en su mayoría por VH1, el canal más ochenta y nostálgico de todos) y premios a la trayectoria (como ocurrió con The Cure y Siouxsie & The Banshees, por ejemplo). Algo así empieza a suceder con los nuevos dinosaurios, aquellos provenientes de los 90; basta echar un rápido vistazo a lo que ocurre hoy en día con el rock: vuelve Pixies, vuelve Smashing Pumpkins, vuelve Hole.

Sin embargo, cabe preguntartse: ¿Vuelven Smashing Pumpkins y Hole? De la formación clásica de Smashing Pumpkins (Billy Corgan, James Iha, D'Arcy y Jimmy Chamberlin) sólo queda Billy Corgan. Lo mismo ocurre con Hole, de su última encarnación (Courtney Love, Melissa Auf der Maur y Eric Erlandson) sólo queda Courtney Love. La pregunta, entonces, podría ser: ¿qué es una banda? ¿El cantante/líder y un grupo de acompañamiento que apañe la búsqueda del tiempo perdido? ¿Smashing Pumpkins es Billy Corgan y unos? ¿Hole es Courtney Love y otros? Cuando se vio acosada por este tipo de preguntas, Love contraatacó via Twitter: "Hole is MY band, MY name, and MY Trademark". De acuerdo con esto, una banda es una marca, una imagen que vender y responde a las leyes de la economía y el mercado. Si vuelven los 90, que vuelvan las marcas de los 90, aunque de ellas no quede casi nada.

Los hombres de mi vida

2010-12-20T12:10:00.009-03:00

El preferido

Edgar De Santo

Edición del autor

2010

Para El Interpretador

“Mucha gente me ha tocado en el camino hasta este escenario esta noche. ¿Cómo puedo decir quién me tocó más? ¿Mi padre, el soldado americano? ¿Pudo haber sido mi madre?” se pregunta Hedwig, la protagonista de la película Hedwig And The Angry Inch (John Cameron Mitchell, 2001) al momento de recapitular su vida. Lo mismo podría preguntarse Patricio, el protagonista de El preferido, hacia el final del recorrido que traza su relato. Son muchísimos los hombres que lo tocan a lo largo de la novela desde su infancia, partiendo del verdulero: “Estaba con la cadera y la camisa grafa demasiado abierta para ver un pecho enorme como una pista de aterrizaje y su voz velluda”, “Nos tiramos en el colchón y me besaba, no me ponía la boca y la lengua, me besaba” y el carnicero: “Tenía una lengua gorda. Me llenaba tanto que no podía respirar”; hasta sus propios familiares: “Estás con el tío, no hay problema”; pasando por un linyera y sus amigos. Y es que, como dice el tío, “ese culo está pidiendo” y nadie puede resistirse a ese niño que está en plena pubertad.

LA SUCIA LECCIÓN DEL CORAZÓN

De la misma manera que El corazón es engañoso por sobre todas las cosas, la novela de J. T. Leroy (y la película homónima dirigida por Asia Argento), El preferido es una novela sobre las trampas de la inocencia. Patricio, a pesar de su infancia, está abandonado a su propia suerte; deambula por la periferia de La Plata y pasa de mano en mano recibiendo en su propio cuerpo las lecciones de la vida. Ni siquiera su propia familia funciona como espacio de contención; por el contrario, ellos son los primeros en abusar de él, especialmente su padre: “Me puse encima y me metió la lengua en la boca”, “me tiré boca abajo y terminó lo suyo” y su hermano: “Dale nene, dale, que hace rato que no al pongo, cómo te gusta, maricón”. La única posibilidad que tiene Patricio para salir de ese círculo vicioso es fugarse del hogar y dejar atrás el suburbio; la familia se convierte entonces en la última parada de su primer recorrido: “Nunca más supe de ellos. Faltaba un mes para mis catorce años”.

NOVELA DE APRENDIZAJE

Conforme avanza la narración, El preferido se inserta dentro de la tradición que los alemanes llamaron bildungsroman, término que puede ser traducido como “novela de aprendizaje” o “novela de formación”. En principio, la educación que recibe es de carácter sexual: “Cuando le salió la leche me la tragué sin saber si me había meado la boca o qué. Cuando le pregunté me dijo que era la semilla de los varones, que la guardara así me hacía más hombre”. A partir de ese momento Patricio queda sumergido en un constante devenir, primero hombre: “Yo ya me la había tragado y la verdad es que me sentía más hombre”; luego puta: “cuando se les cae la billetera me quedo con algunos pesos”; y por último Lolita: “Me empezó a decir Lolito. Yo me dejé y aprendí mucho”.

VIAJE

Como en el caso de Karl Rossman en Amérika de Kafka, otra novela de aprendizaje, la experiencia formadora de Patricio también viene aparejada con el viaje. Sus desplazamientos son constantes ya desde su infancia en el suburbio platense y, como en la novela de Kafka, aceleran la narración; especialmente en las instancias en las que el viaje marca un quiebre. Ejemplo de esto es el viaje que hace del hogar familiar al centro de La Plata, que coincide con la apropiación que hace de su propio cuerpo para prostituirse. Patricio percibe el cambio que se produce a partir de este traslado en términos cualitativos; a diferencia de lo que ocurría en su pueblo natal, en el centro todo es lindo, especialmente los hombres: “No se parecía a ningún tipo que yo conociera. Era fino, tenía lindo olor, linda ropa, lindo auto y finalmente, lindo departamento”. Una vez que toma la distancia necesaria de su infancia, empieza a percibir lo siniestra que era: “El Bosco parece que conoció a mi viejo, al tío Dani, a mi tía y a mi vieja”.

LA FAMILIA DEL FUTURO

Ante un mundo hispersexualizado, donde todos buscan un pedazo de él, y una historia que se va oscureciendo más con la perspectiva que va ganando, Patricio opta por refugiarse en aquello de lo que siempre careció: la familia. Para ello forma una alianza de tres con sus amigos Sara y Manuel: “Quería vivir con ellos dos. Los tres juntos. Sin matrimonio, sin patrimonio. Otra asociación posible”. En este punto El preferido entra en sintonía con la reciente ley de matrimonio igualitario y propone otra unión posible, otra familia, la familia del futuro. De la misma manera que ocurre en la novela Una casa al fin del mundo de Michael Cunningham, Patricio funda este hogar en torno al nacimiento de la hija de Sara: “Les proponía vender mis dos departamentos y comprar una casa para que podamos vivir los cuatro, la nena también. Que la nena sea de los tres”.

GENEALOGÍA

El preferido es una novela en verso y eso no es un dato menor. Sin embargo, no se trata de una novela poética, se la puede ubicar más bien cerca de lo que Osvaldo Lamborghini llamaba “prosa cortada”. Esto es así en la medida en que la versificación y la prosificación son procesos reversibles, como ocurre en Sebregondi retrocede, de Lamborghini. Por otro lado, dentro de la tradición de la literatura argentina, El preferido es una novela que puede ser ubicada dentro de la línea que siguen autores como Pablo Pérez en El mendigo chupapijas o Alejandro López en La asesina de Lady Di y Keres cojer? Los tres manejan un registro lingüístico coloquial y llevan el relato de la experiencia homosexual al límite.

Blog de El Preferido: http://elpreferidonovela.blogspot.com/

A través del espejo

2010-12-14T10:46:00.007-03:00

Osos

Diego Vecchio

Beatriz Viterbo

2010

Para El Interpretador

LO MARAVILLOSO

Osos es un cuento de hadas hecho novela. Con este libro, Diego Vecchio recupera de manera actualizada la antigua tradición del relato maravilloso, del mismo modo que lo hicieron el film El laberinto del fauno (Guillermo del Toro, 2002) o la novela gráfica Coraline (Neil Gaiman, 2002) y su posterior adaptación cinematográfica (Henry Selick, 2009). Del sistema clasificatorio propuesto por Tzvetan Todorov en su célebre Introducción a la literatura fantástica, la categoría que mejor funciona en este caso es la de “lo fantástico-maravilloso”, la cual corresponde a “la clase de relatos que se presentan como fantásticos y que terminan con la aceptación de lo sobrenatural”. Si bien al principio de Osos se puede percibir el uso de un registro realista, éste se ve inmediatamente quebrado. Indicio de este rompimiento es la desaparición de Oklahoma, el oso de Vladimir (el niño protagonista del relato): “Lo que ocurrió con aquel objeto fue un misterio que nunca logró elucidar”. De esta forma lo fantástico ingresa al relato, junto con la vacilación que genera ante la certeza o no de los hechos. Sin embargo, esta duda queda atrás rápidamente con el paso a lo maravilloso a partir del momento en que Otto, el oso de reemplazo que compra la madre a Vladimir, cobra vida y lo transporta al mundo sobrenatural: “Le hubiera gustado despertarse y decirse que todo había sido una mera pesadilla. Pero sabía perfectamente que no. Aquello que estaba viviendo, y que para colmo de males no podía dejar de vivir, no era un producto del sueño sino por el contrario de la falta de sueño. Sabía perfectamente que era imposible despertar”. Por otro lado, hay algo en el diálogo del niño con su juguete que recrea el origen de los relatos maravillosos: la tradición oral. Las historias que se cuentan para dormir no son nunca exclusivas de uno de ellos, sino más bien construcciones colectivas en las que cada uno aporta lo suyo.

CAPITALISMO Y ESQUIZOFRENIA

Estrella Gutiérrez, la madre de Vladimir, cae víctima del capitalismo en el momento en que su hijo comienza a padecer de insomnio. Ante este problema se dirige inmediatamente a la juguetería en busca de la solución, que se le presenta en forma de un oso de peluche. El juguete está presentado en este espacio como la herramienta perfecta y necesaria para la correcta crianza del niño, mientras oculta, a la vez, las contradicciones del mundo real: “¿Acaso la misión del juguete no es ésta: darle a nuestros niños una felicidad sin fallas?”. La oferta resulta efectiva en la medida en que le genera una urgencia por comprar que se ve respaldada por la interminable hilera de padres que se encuentran en su misma situación: “¡Pronto! Tal vez en este mismo instante, una madre está comprando el último oso de peluche Sueño feliz que nos queda (…) ¡No pierda más tiempo!”. De todos modos Estrella no encuentra lo que busca, pero sí se topa con el canasto de las ofertas, que la apresa inmediatamente, generando en ella nuevamente un vacío que antes no se encontraba allí: “Le resultó imposible refrenar el impulso de mirar. Siempre la pasaba lo mismo en la época de saldos. Aunque no tuviera nada que comprar, entraba en los bazares”. El problema de Vladimir (que en realidad es el problema de la madre) es su falta de sueño y esto es un conflicto generalizado en la novela, tan así que hasta el programa de televisión que mira Vladimir lo refiere: “En virtud del decreto N° 3987 por el cual los padres nos cedieron todos los derechos sobre el sueño de sus hijos, nos ocupamos de los niños que se portan mal y que no quieren irse a la cama. A propósito, ¿qué hacés levantado a esta hora?”. La insistencia sobre la necesidad de que los chicos duerman hace pensar en la función del sueño que, como la del tiempo, no es otra que marcar el ritmo del trabajo, obturando el espacio para el esparcimiento y la imaginación. Dormir de manera no regular no significó un problema hasta la contemporaneidad; después de todo, “el insomnio es una invención de nuestra época”.

AMA DE CASA DESESPERADA

Víctima de los medios y de un ataque de compras, Estrella Gutiérrez representa una figura de la madre inusual. Al contrario de aquellos relatos en los que la madre resulta idealizada hasta la exasperación, Estrella se nos muestra humanizada, más cerca de su condición de mujer, con sus debilidades a la vista. Desde su incapacidad para estar en todo lo que sucede en su hogar: “Aún no había comenzado a cocinar. Y, para colmo de males, se dio cuenta de que se había olvidado de hacer las compras”, hasta su agotamiento: “Cuando a una madre se le acaban las reservas de madrenalina, todos los resortes parecen rotos y toda la energía que mantiene al cuerpo en movimiento aniquilada”. Hay en ella algo de ama de casa desesperada y esto se ve reforzado por la soledad con que lleva a cabo su rol de sostén del hogar y de la familia.

INFANCIA

De la misma manera que en Alicia en el país de las maravillas de Lewis Carroll y Peter Pan de James Barrie, puede leerse en Osos una confrontación entre el imaginario infantil y el de los adultos. A diferencia de este último, nulo por definición, el primero se encuentra potenciado todo el tiempo. Esto puede verse claramente en los juegos de niños, que representan el espacio de lo imaginario por antonomasia: “Te digo que es pimienta. Acabo de inventar un nuevo idioma, que comenzó a existir hace un minuto y dejará de existir dentro de un minuto. A lo que vos llamás sal, en mi idioma se dice pimienta. A ver si entendiste”. Sin embargo, el potencial imaginario se encuentra restringido por la presencia del adulto y esto puede verse en la percepción que tiene Estrella del juego de sus hijos: “Descubrió a Vladimir subido sobre la mesita ratona, blandiendo una regla, con una goma incrustada en la órbita ocular a la manera de un monóculo y a la manera de un sombrero, el cenicero de vidrio murano que le habían regalado para su casamiento”. Debido a su falta de imaginación, la madre queda fuera del juego y no consigue ver que las cosas han cambiado de valor y que eso ya no es un cenicero, sino un sombrero.

POR LA MADRIGUERA

A partir de la separación entre el mundo de los adultos y el de los niños, Osos permite ver lo que ocurre a puerta cerrada en cada uno de ellos, como en las ilustraciones de Chris Van Allsburg. Por un lado, Estrella Gutiérrez deja de ser una figura idealizada y recupera su dimensión más humana, inmersa en un mundo voraz y aplastante. Por el otro, Vladimir refuerza su imaginario y, una vez que su madre se queda dormida (como la hermana de Alicia y como todos los adultos), cae por la madriguera e ingresa a su propio país de las maravillas de la mano de Otto, el oso que compra su madre para lograr que se duerma. La brecha que se abre entre los dos mundos no se cierra en ningún momento y, al igual que en la mayoría de este tipo de relatos, la experiencia no puede ser compartida, algo que se le estipula a Vladimir ya desde antes de regresar: “Te voy a plantear una pregunta. Si tu respuesta es correcta, te dejo volver a tu casa, a condición de que no cuentes nada de lo que has visto”.

UN CUENTO DE OSOS

Hay una dimensión alegórica en Osos que tiene que ver con una acepción alternativa del término “oso”, aquella que refiere al hombre grande y peludo. Otto, en una de las fábulas que le narra a Vladimir, hace las referencias más directas a esto: “se produjo entre aquel humano y aquel animal algo verdaderamente increíble, inefable, irrepetible, irrefrenable, envidiable, deleitable y arrebatador, que cambiaría para siempre el rumbo de sus vidas” o “su padre intentó reconfortarlo, prometiéndole que irían a ver al osezno a su madriguera y que podría dormir con él, cuantas veces quisiera”. Vladimir, en su debilidad por estos juguetes y en su nostalgia por Oklahoma (ese oso que lo abandonó) puede ser visto como un cazador en potencia. Por último, hay otra referencia a la cultura gay en Osos que cobra aún más importancia en el contexto de los últimos acontecimientos: “La ciudad de Buenos Aires acababa de aprobar el matrimonio entre ranas. Confesó que ya estaba harta de ser una rana soltera. Desde hacía tiempo no veía la hora de ser una rana casada. Vivirían bajo un mismo texto, compartiendo tareas domésticas y pago de facturas. Adoptarían dos hermosos renacuajos. Y lo mejor de todo: trabajarían juntas en un mismo programa”.

Los niños terribles

2010-12-07T11:10:00.003-03:00

Linaje

Gabriela Bejerman

Mansalva

2009

Linaje de Gabriela Bejerman, como Los niños terribles de Jean Cocteau, narra la historia de dos hermanos, Irene y Pier Rubinov, que encuentran un refugio del mundo exterior en el propio universo que ellos mismos crean. En este otro lugar que habitan y acaba convirtiéndose en espacio de encierro, los padres quedan siempre afuera, no participan: “los padres dormían, como un televisor que se apaga después de mucho tiempo prendido”. Sin embargo, siempre hay espacio para la juventud en plena efervescencia sexual, como Púrpura: “se había refugiado en esa otra familia donde el amor no era un don sino un linaje” o Víctor: “Entre todos transformaban a Víctor en un participante más del juego que era ser cuatro”. El refugio primero es simbólico, pero eventualmente se hace realidad en el momento en que se trasladan a la casa de San Fernando que heredan de la abuela Fanny. Una vez allí, la fantasía (el jugar a la familia) se cumple: “Pier pasaba el día afuera. Ellas bailaban, practicaban idiomas conversando como amigas, cocinaban juntas. Trabajaban de noche en un boliche del centro y de día dormían”. La vocación de los personajes es evadirse y eso es llevado al extremo cuando ya no queda lugar ni siquiera para los terceros: “Algo los protegía del pasado, de todo lo que no fuera un reducto neutral donde hermanarse”.

JUEGOS SEXUALES

En la novela de Bejerman todo está teñido de sexo. Si bien se la puede pensar como una novela erótica, como anuncia Roberto Echavarren en la contratapa del libro, hay también un trabajo sobre lo más folletinesco de esta tradición: el discurso porno soft de las películas eróticas de trasnoche, los diálogos telefónicos de los cero seiscientos, etc.

El sexo está puesto en primer plano en tanto la relación primaria de la novela es la de Irene y su hermano Pier, que sostienen un romance incestuoso en perpetua tensión. En un principio esto se limita a algo del orden de la mirada, cuando Pier la espía mientras tiene relaciones con otro chico: “En la penumbra, Pier distinguía la desnudez de ella más que la de él”. Irene no sólo lo ve, sino que está plenamente consciente de su presencia y lo hace partícipe de manera tácita de su placer: “Cuando entró, sola, esa sonrisa satisfecha le pareció a Pier dedicada a su pudor, a su miedo, a su mal fingida sombra detrás de la ventana”. Conforme avanza la novela, el contacto va siendo cada vez más cercano: “Tocaba el pelo de su hermana admirándolo como un tesoro que siempre sería suyo”.

La relación entre los hermanos Rubinov es asimilable a la de Kathryn Merteuil (Sarah Michelle Gellar) y Sebastian Valmont (Ryan Philippe) en Cruel Intentions (Roger Kumble, 1999). Al igual que ellos, la promesa del encuentro sexual incestuoso está en permanente latencia; mientras tanto, convierten a los demás en objetos de sus juegos sexuales: “Hay prendas y si perdés, tenés que sacarte las prendas”.

ENNUI

Los personajes de Linaje están en un constante estado de somnolencia, ya sea por la resolana veraniega o, simplemente, por aburrimiento. La novela se abre con Pier despertándose: “Algo abrupto como un ruido lo despertó”, y esa secuencia se repite una y otra vez. Este adormecimiento parece corresponder al humor de la clase alta, a la que pertenece la familia Rubinov.

Pier e Irene se aburren hasta en el boliche: “Habían dado más de veinte vueltas a la fiesta, ya habían caminado sinuosamente uno tras otro entre la gente, mostrando su belleza de similar simiente, altura y garbo, habían bailado los temazos que el dj ponía para entrar en los oídos crédulos mientras la luz de los espejos redondeaba la pista”. Las horas nunca parecen pasar y la única manera de poner una solución a este problema, al menos de manera temporal, es haciendo uso de alcohol: “El tiempo era una repetición tediosa que los tragos volvían digerible” o drogas: “los tres inhalaban el nuevo aire de su propia fiesta”.

La búsqueda por un otro lugar en donde jugar a la casita con los terceros que hacen ingresar a la relación corresponde también con este afán por escapar del tedio: “Buscaban un espacio donde lo temporario se esfumara en una sedosa permanencia de tiempo completo, pero absolutamente excitante”. Sin embargo, eventualmente se dan cuenta de que no hay espacio para nadie más y que el aburrimiento es algo que sólo pueden experimentar de a dos: “Pier e Irene sufrían, cada uno a su modo, lo que habían elegido. Su triste amor los hermanaba”.

UMBRAL

Linaje puede ponerse en serie con otras novelas argentinas sobre la crisis del 2001, como Rabia de Sergio Bizzio por ejemplo. En ambos casos la trama se desarrolla primero en una línea que poco tiene que ver con la hecatombe política, social y económica, hasta que en un momento el fenómeno converge con los personajes y los sacude, alterando sus destinos de manera permanente. No obstante, esto no resulta del todo sorpresivo en la medida en que Gabriela Bejerman va sembrado indicios del porvenir de la revuelta, en la inseguridad de Pier en cuanto a los negocios por ejemplo, o también en lo excesivo de la actitud de la mayoría de los personajes. Y es que criaturas como los hermanos Rubinov solamente pudieron ocurrir en la experiencia menemista de los 90.

Mi vida es un telefilm

2010-12-02T09:53:00.005-03:00

Miss Tacuarembó

Dani Umpi

Ediciones Dani

2010

Para El Interpretador

CAMP

Muchas mentiras cuentan sobre mi,

porque mi vida es un telefilm

LA PROHIBIDA

“Desnuda o vestida”

En su ensayo “Notas sobre lo Camp” (incluido en Contra la interpretación) Susan Sontag define el camp como “una manera de mirar el mundo como fenómeno estético” y de vivir “la vida como teatro”. Miss Tacuarembó, de Dani Umpi, es claramente una novela campy. Natalia, la protagonista y narradora, experimenta el mundo como un programa de televisión (no importa la índole), en el que al ponerse nerviosa habla “como una robot, como Cher en ‘Believe’” y se siente “en una película de terror” donde su aspecto “debe ser muy similar al de PJ Harvey en algún clip”. En este modo de narrar la experiencia, el “como si” se convierte en el procedimiento principal para dar cuenta de los hechos: “me miran como personajes de Stephen King”, “[m]e siento como en un capítulo repetido de una serial intrascendente”, “comienzo a vagar por entre la gente como una hermosa modelo anoréxica que debe actuar en un patético clip de Enrique Iglesias para poder comer”, etc.

MI MUNDO PRIVADO

Get out of that state,

get out of that state you're in.

You better beware.

You're living in your own Private Idaho.

B 52’S

“Private Idaho”

El problema de experimentar el mundo de esa manera es que Natalia y Carlos, su mejor amigo, están atrapados en Tacuarembó, lejos del espacio de la experiencia por antonomasia que es la ciudad, es decir Montevideo. Ambos resisten como pueden, a medida que van siendo estigmatizados: ella como “la miss” y el como la marica de la localidad. De este modo, la consigna hacia el final del relato de infancia es la de huir: “Carlos, tenemos que irnos de este pueblo”. Sin embargo, a pesar del traslado, Natalia y Carlos siguen siendo misfits en ese otro mundo, donde los malestares cotidianos de la niñez retornan como lo siniestro, tanto la madre alérgica a su propia hija como las dos gemelas salidas de “El Resplandor” (Stanley Kubrick, 1980).

GOD IS IN THE TV

Build a new god to medicate and to ape

Sell us ersatz dressed up and real fake

MARILYN MANSON

“Rock is dead”

El gran refugio que Natalia y Carlos encuentran en Tacuarembó es el de la iglesia y a los pies de Cristo. No obstante, el gesto de la novela no es religioso; aquel al que los dos protagonistas adoran es un Cristo pasado por la televisión: “Cristo estaba a mi lado, de mi lado, como un televisor color” y lo que se espera de él es lo mismo que se espera de un superhéroe o de una superestrella. Nuevamente el gesto es el de la experiencia camp, en la que, según Susan Sontag, “[e]s posible ser serio respecto de lo frívolo y frívolo respecto de lo serio”. Es así como, a diferencia de su madre, “cuya verdadera vocación era ser monja y vivir en función de Cristo”, Natalia sostiene una relación inversa en la que Cristo vive en función de ella. Sin embargo, tras no obtener los resultados deseados, despierta de la ilusión y rompe, literalmente, su relación con quien había sido su salvador: “Lo descolgué de un sopapo impulsivo y el yeso se desintegró como harina sobre las baldosas negras, como si estuviera deseando romperse. El rostro suplicante de Cristo se volvió polvo en menos de un segundo”.

¡QUE VIVAN LOS 90!

Miss Tacuarembó es una novela de los noventa. No porque haya sido escrita durante esa década, ya que la primera edición es del 2004, sino porque el grueso de lo que se cuenta en ella es la experiencia de los noventa: MTV, las telenovelas latinoamericanas de la tarde, etc. Sin embargo, el punto de partida es la década del ochenta en la que crecen los protagonistas y la progresión temporal está marcada por la evolución de las tecnologías: “El video me pareció un invento sensacional, que superaba ampliamente al cine” y por los cambios en la grilla televisiva: se va de Vanessa a Resistiré, pasando por Cristal y La usurpadora. De este modo también se van narrando cómo las cosas se van pasando, ya sean las tribus urbanas: “ser grunge a esta altura del siglo es la idea más idiota que se le puede ocurrir a una persona, y sin embargo siguen existiendo” o la moda: “Me siento como esas chicas que se compraron ropa muy moderna a comienzos de los noventa y ahora no tienen más remedio para seguir usándola, en pleno retro”. Como afirma Susan Sontag, “la relación del gusto camp con el pasado es extremadamente sentimental” y Miss Tacuarembó entabla un vínculo estrecho con esa época dorada en la que todo era posible e imaginable.

CONTINUIDADES

La novela de Dani Umpi se inserta en una tradición que comenzó con Manuel Puig y que fue actualizándose con el correr de los años en sus diferentes vertientes disciplinares. En relación con Puig, se puede pensar Miss Tacuarembó como una suerte de reescritura de La traición de Rita Hayworth con un ligero cambio de escenario. También se puede pensar un parentesco entre los personajes de Dani Umpi con los de Alejandro López en una novela como La asesina de Lady Di, en donde la protagonista también se encuentra presa del imaginario propuesto por los medios masivos de comunicación. Por otro lado, la condición de outsiders de Natalia y Carlos en Tacuarembó es al mismo tiempo similar a la de los personajes de Carson McCullers y Truman Capote, entre otros escritores norteamericanos del sur. Por último, la capacidad que tiene Dani Umpi para saber lo que siente la mujer es análoga a la de Marc Cherry (creador de Desperate Housewives), Darren Star (creador de Sex and the City) o Almodóvar: lo femenino en todos estos casos es tan femenino que se vuelve gay, travesti.

Un hogar al fin del mundo

2010-11-26T11:35:00.005-03:00

Para No-Retornable

Plan B (2010) es el primer largometraje de Marco Berger. Estrenado primero en el BAFICI y luego en la cartelera del MALBA, el filme relata la historia que se desarrolla entre Pablo y Bruno a partir del triángulo amoroso que forman con Laura. Si bien el objetivo principal de Bruno es recuperar a Laura (su ex novia), debe recurrir a un plan b que es enamorar a su actual pareja (Pablo) para sacarlo del camino. Sin embargo, la que resulta despejada de la relación es Laura, ya que Bruno y Pablo se terminan enamorando el uno del otro.

NO PASA NADA

En Plan B no pasa nada. Como en la mayoría del Nuevo Cine Argentino, como en las películas de Gus Van Sant, como en las novelas de Marguerite Duras: no pasa nada. La película emplea lo que Roland Barthes llamaría un grado cero de la notación. Los planos son largos, las secuencias de acción llegan a ser mínimas y el diálogo va siendo corroído cada vez más. Sin embargo, el relato está ahí; dos hombres se conocen, se seducen (sin querer) y se enamoran. Entonces sí pasa algo. No sólo algo, pasa todo. La película (la vida) está constituida por esa sucesión de incidentes (“lo que cae dulcemente como una hoja sobre el tapiz de la vida, es ese pliegue ligero, fugitivo, aportado a la trama de los días, es lo que apenas puede ser notado” según Roland Barthes) que cobran trascendencia en retrospectiva, cuando se produce sentido a partir de ellos. Hay una voluntad de realismo en este proceder, de ser fiel a la experiencia (eje del realismo según Raymond Williams), y la experiencia no es otra que la experiencia argentina: la del vivir-aquí, en este país, en esta ciudad, en este barrio, y la del vivir-ahora, en este momento y con estas personas que comparten un mismo imaginario.

RECORRIDOS Y ESPACIOS

La película tiene tres personajes fundamentales: Bruno, Pablo y la ciudad. Los planos suelen ser abiertos y muestran grandes plazas, grandes edificios, etc. Aún cuando las escenas transcurren en espacios cerrados (como habitaciones o terrazas), la inmensidad y lo infinito persisten en el paisaje de una ciudad que no parece tener límites; y, al no haber una distinción afuera- adentro, la ciudad se convierte en un todo, en el único espacio disponible. A lo largo del filme, los dos protagonistas hacen una topografía de este espacio urbano en el recorrido que emprenden juntos. Marcan sus lugares, de alguna manera los territorializan y los vuelven propios, dejando atrás rastros de sí mismos y fragmentos de una memoria en común que van construyendo. Esto queda muy marcado al final, cuando se nos muestran esos recovecos vaciados y, a pesar de ello, uno siente la presencia fantasmal (y nostálgica) de los dos personajes.

CUERPOS

La corporalidad es uno de los rasgos más prominentes de Plan B. Hay un montón de primeros planos de los bultos, los culos y los torsos de los dos protagonistas. Y es que el acercamiento que planea Bruno (su plan b) tiene que ver con desplegar su cuerpo frente a Pablo para seducirlo (a partir de una presunta bisexualidad que resulta ser falsa), aprovechando cada oportunidad que se le presenta para sacarse la ropa y quedarse en calzoncillos. Sin embargo, Pablo también hace uso de la misma estrategia. Es así como se empieza a jugar una carrera entre los dos por ver quién cede primero a la barrera que hay entre ellos (primero la heterosexualidad, luego la historia personal de cada uno y, por último, la amistad), ver quién es más alto, quién se anima a probar, etc. Resultan clave en esta competencia los momentos que pasan juntos en la cama, aproximándose el uno al otro en medio de los sueños y superponiéndose sin llegar a tocarse. No obstante, la conexión se produce a un nivel distinto (llamémoslo mental) y cuando las cartas están echadas ninguno de los dos logra avanzar sobre el cuerpo del otro; el juego se terminó y ya no se puede jugar más al “como si”.

UN HOGAR AL FIN DEL MUNDO

La amistad (y eventual infatuación) que se produce entre Pablo y Bruno se origina gracias a un imaginario compartido. El primer indicio de esto es el fanatismo que comparten por la serie de TV “Blind”, pero, a medida que el diálogo fluye, ambos descubren que comparten un mismo espacio y tiempo. Es decir, descubren que son contemporáneos y ven que las reminiscencias del pasado que sostienen son las mismas (el View Master, por ejemplo, entre otros juguetes). Por otro lado, hay un recorrido en común, tanto a nivel urbano (van al mismo gimnasio), como en lo personal (los une, además, una misma mujer). Pablo y Bruno comparten una misma forma de vida, y eso es lo que posibilita un vínculo entre los dos que acaba pareciendo inevitable: ¿cómo no se iban a encontrar? Estos dos fenómenos (el imaginario y la forma de vida en común) hacen que los dos personajes construyan su propio espacio, un hogar al fin del mundo donde refugiarse para intercambiar esos bienes que son las palabras (hablando, con la luz apagada, hasta quedarse dormidos), fumar porro y recuperar el tiempo perdido de la infancia, lejos de todo y de todos. Es así como, una vez ganado este espacio, los diálogos resultan superfluos y se borran y lo que importa es la imagen de ellos dos juntos.

NOSTALGIA

Plan B es una película que puede ser pensada a partir de una cuestión generacional. Los personajes (y, por ende, sus circunstancias) están marcados por su infancia en los años ochenta. Nuevamente se puede ver esto en el View Master, pero también en el estilo de vida y, más específicamente, en la falta de técnica. Las computadoras brillan por su ausencia, no hay uso de Internet ni celulares y la serie de la que Pablo y Bruno son fanáticos la miran por TV o la graban en video. Sin embargo, la película transcurre en tiempo presente (la cámara de fotos digital de Pablo es una marca de ello); de esta manera uno puede percibir un dejo de nostalgia por un tiempo donde las relaciones eran más sencillas y menos mediadas y en el que los encuentros se producían en el plano de lo real.
Por otro lado, también hay una nostalgia de la infancia como un tiempo más apropiado para el tipo de encuentro que se produce entre ellos, en el que la sexualidad se vive como juego y no hay tabúes que repriman los instintos. En su relación, Pablo y Bruno reproducen en alguna medida una relación infantil o preadolescente, pasan la película en un pijama party que no parece tener fin.

UTOPIA

Hay algo que nunca está puesto en discusión en Plan B: lo gay. No hay signos de militancia ni de política. O más bien, hay una política de lo no-político. A pesar de ser nombrada (al pasar), la homosexualidad no cobra el espesor de un conflicto. Ni con el afuera (todos los personajes son friendly, no hay horrores ni escándalos ante las confesiones) ni con el adentro, el interior de Pablo y Bruno. Si bien la confusión sí está presente, los dos personajes la resuelven fácilmente. Hacia el final, cuando Bruno blanquea sus sentimientos ante Pablo, le dice que está “enfermo”, pero su enfermedad no es otra que el amor. Plan B adquiere, de este modo, una importancia contextual. Luego de la modificación en la ley de matrimonio (que se trató de la validación de una forma de vida que había permanecido en la oscuridad ya por demasiado tiempo), cabe imaginar que la realidad futura se asemejará a este tipo de ficciones, donde los espacios y los derechos ya estén ganados y la discriminación sea tan solo un mal recuerdo.

Tratado sobre la marginalidad

2010-11-20T13:21:00.005-03:00

Condominio

Max Gurián

El fin de la noche

2010

Para El Interpretador

MISFITS

Si hay algo que caracteriza a los personajes de Condominio es la condición de marginalidad bajo la que todos ellos se encuentran. Son freaks, misfits, inadaptados y marginales, en un continuo corrimiento de lo que resultaría esperable. Tal es el caso de la protagonista de “Agustina Migno: una semblanza”, relato en el que se narra el devenir monstruo de quien hubiera sido una promesa musical: “La precoz interrupción de su crecimiento facilitó las decisiones de su entorno (…) La ausencia del húmero explicaba el hecho pero no el apodo despectivo que le endosaron en la infancia. Sin plumas no era razonable considerar esos apéndices como aletas”. Sin embargo, esto no presenta un problema para ella: “incorporó sin angustias la malformación” y acaba siendo reincorporada a la sociedad desde su lugar de freak, “de pie junto al piano o sentada en el margen izquierdo de la banqueta”, como apuntadora. A partir de este momento comienza su derrotero como fenómeno, pasando por una violación (o “amor de golondrina”) para volver a la reclusión, única forma de vida posible para esta clase de sujetos. Pero Agustina no está sola, allí están también los inadaptados de “Sin título (de amor)” y “Casi siempre Adela”, ambos marcados por una imposibilidad. El primero por la imposibilidad de abordar al objeto de su afecto: “Desearía congraciarme con su belleza (…) Se ve que no puedo” y el segundo, de formar parte del mundo que lo rodea, cayendo preso de un proceso de disociación que comienza en el sexo y termina en la muerte: “Yo no siento nada”.

ENCIERRO

La condición de marginalidad de estos personajes los desplaza del afuera hacia el adentro, del mundo al encierro. Es así como proliferan los espacios cerrados en los cuentos de Condominio. Allí está el protagonista del cuento que da título al libro, encerrado en su pequeño ambiente, preso de un “espacio minúsculo que lo contiene todo”. Y allí están también Matías y Teo, dentro del garage que administran en “Los autos locos”, donde realizan “desplazamientos mínimos”. En “Tiro de gracia”, por otro lado, a pesar de la circulación de su personaje principal, hay una insistencia en los espacios circunscriptos, como el barrio: “Llega al barrio por pedido de terceros” o el hotel: “se aloja en un hotel de pasajeros cerca del teatro”.

Sin embargo, el encierro de estos personajes no se da únicamente en el plano físico, sino que también ocurre en un sentido figurado. De esta manera, el protagonista de “Insumos varios” se encierra en su trabajo, lejos y a la vez cerca de la realidad argentina posterior al 2001: “El traducir (…) me ha proporcionado un profesión. También la excusa para encerrarme hasta el final de la noche en lecturas libres, francas”.

A pesar de la voluntad del encierro, la posibilidad de una salida no está bloqueada y Agustina Migno sirve como testimonio de esto. No obstante, la incorporación al mundo de este tipo de personajes siempre fracasa al final, ya que nunca pierden su estatus de freak: “la cercanía de sus brazos anómalos les inquietaba sin remedio y distraía su atención”.

EL REFUGIO DE LO IMAGINARIO

El otro lugar de sosiego que encuentran los personajes de Condominio, aparte del espacio cerrado, es el de su imaginario. Ante un mundo que les es hostil y los margina, encuentran un refugio en sí mismos. Es el caso de “Sin título (de amor)”, en donde el rechazo sufrido por el protagonista lo vuelca hacia sí mismo: “El desprecio tensa mis manos. No hay dragones que entretengan la mirada a mi alrededor. Anhelo el reto; desenvainar la espada para atravesar, de punta a punta, en pleno vuelo, el blanco de esa paloma, y rajarla de rojo hasta agotar sus fuerzas”.

Quizás sea por este ensimismamiento que la mayoría de los personajes del libro resultan tan cerebrales. Por ejemplo, el protagonista de “Condominio”, que despliega, a medida que narra, el devenir de sus pensamientos, casi como un fluir de la conciencia. Pasa de la descripción minuciosa de su departamento (“el monoambiente de la calle Salta ignoraba los afanes de la suma y pretendía inspirar un aire oriental”) a la dificultad de la técnica (“Por desgracia no sé dibujar”) y de aquí al recuerdo de un episodio pretérito (“todavía recuerdo mi desesperación infantil con los Kalkitos”).

De esta manera, con la expansión del espacio para lo imaginario, lo que sucede efectivamente en la mayoría de los cuentos no sucede en ellos sino por fuera (o antes o después).

Bowie, el mesías

2010-11-11T13:53:00.006-03:00

Ya es un lugar común, pero es cierto que David Bowie siempre fue un adelantado a su época y se reinventó en cada una de sus incursiones en el rock. Discos como The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars (1972) o Scary Monsters (and Super Creeps) (1980) toman la temperatura de su contexto y a la vez anticipan todo lo que vendrá después: el primero contiene todo lo que serán los 70 y el segundo todo lo que serán los 80. Sin embargo, no es sólo en su rol como músico que Bowie hizo vanguardia, sino que también en su trabajo como productor causó el mismo efecto. El mejor ejemplo de ello es The Idiot (1977) de Iggy Pop.

Producido durante el período berlinés de Bowie, este album hace sistema con la trilogía que componen Low (1977), Heroes (1977) y Lodger (1979) en la medida en que todos adoptan en parte el sonido propuesto por el Krautrock (cuyos representantes más notorios serían bandas como Kraftwerk o Neu!). No obstante, The Idiot está mas cerca del rock que de la música experimental y esto tiene que ver con el lugar del que venía Iggy Pop, que acababa de abandonar The Stooges. La combinación de sonidos que producen Bowie e Iggy con este album (entre el punk, los sintetizadores y la atmósfera introspectiva y melancólica) da por resultado aquello que inmediatamente después recibió el nombre de Post-Punk.

The Idiot es el puntapié inicial del Post-Punk, contiene (en potencia o ya desarrollado) el sonido de Joy Division (en Unknown Pleasures y Closer), Bauhaus (en In the Flat Field y Mask) y el primer período de Siouxsie & The Banshees (el que va de The Scream hasta Juju), entre otras bandas, en canciones como "Funtime" o "Baby". Una vez más, David Bowie, el mesías del rock, fue el responsable de uno de los géneros musicales más celebrables del rock.

El contador de cuentos

2010-10-27T21:34:00.009-03:00

¿Cómo se pueden seguir contando cuentos maravillosos hoy en día? Esa parece ser la pregunta que viene guiando la filmografía de M. Night Shyamalan. Cada una de sus películas actualiza un tópico distinto del género y lo confronta con los Estados Unidos contemporáneos, produciendo de esta manera efectos sobre el sueño americano.

The Sixth Sense (1999) es un relato de fantasmas en el que los muertos necesitan interactuar con los vivos, ya sea porque aún no pueden aceptar su nueva condición o porque todavía tienen algo para decir. Unbreakable (2000) revisa la figura del héroe, actualizada en términos de super-héroe de comics. Signs (2002) narra el encuentro entre dos mundos a partir de una invasión extraterreste. En The Village (2004) lo maravilloso se juega en los monstruos que se revelan como falsos y en una forma de vida que es igual de ficticia. Por último, Lady In The Water (2006) vuelve sobre la fábula de las sirenas y The Happening (2008) pone en escena aquello que siempre está latente: el fin del mundo.

Lo que ocurre siempre es el ingreso de lo maravilloso y la resistencia a creerlo. En The Sixth Sense Malcom Crowe (Bruce Willis) no puede darse cuenta de que está muerto. David Dunn (Bruce Willis) en Unbreakable tampoco puede asumir su propia condición y se niega a creer que es el superhéroe del que Elijah Price (Samuel L. Jackson) tanto le habla. En Signs Graham Hess (Mel Gibson) es un ex-reverendo que perdió la fe y se niega a volver a creer en nada, incluyendo a los extraterrestres que están invadiendo la tierra y amenazan con llevarse a su hijo. The Village invierte los términos y transforma lo maravilloso en creíble: los fundadores de la aldea deciden negar la realidad deliberadamente e inventan un lugar donde hacen de lo maravilloso una forma de vida. Lady In The Water reta a toda una comunidad a creer en los cuentos de hadas que llegan a sus vidas en la forma de Story (Bryce Dallas Howard) y The Happening enfrenta al género humano con su fin, aquello que nunca creyó posible. Sin embargo, en todos los casos se acaba creyendo, los personajes aceptan lo maravilloso y de esa manera se dejan atras todas las dudas y vacilaciones.

El origen de M. Night Shyamalan no es un dato menor; al provenir de la India, su cine deviene americano sin nunca acabar de serlo. Al igual que en My Blueberry Nights (Wong Kar Wai, 2007), el imaginario puesto en juego es el del extranjero, donde Estados Unidos es un cuento de hadas. El cine de Night Shyamalan realiza ese imaginario de manera literal, enfrenta a América con su sueño y lo pone en funcionamiento.

Leo en ES LA BABA- ENCUENTRO DE ARTE

2010-10-22T23:38:00.000-03:00

True Blood, relato sureño

2010-09-23T18:30:00.009-03:00

Puede parecer una obviedad pensar True Blood como un relato sureño, considerando que la representación del sur de Estados Unidos está en primer plano todo le tiempo en la serie. Sin embargo, el carácter "sureño" fue llevado al extremo durante la tercera temporada en un sentido literario: cada vez se asemeja más a los relatos góticos de Truman Capote, Carson McCullers y William Faulkner, entre otros escritores de la llamada literatura norteamericana del sur.

El escenario es el mismo: el sur, desolado, infinito y verde, muy verde. Los personajes también son los mismos; de la misma manera que ocurre en las novelas o en los cuentos de McCullers, en True Blood el protagonismo también recae sobre una joven blanca, ingenua y de corazón puro que encuentra el confort en los brazos de sus amigos de color, con quienes comparte la marginalidad. Por último, el conflicto, al igual que en Faulkner, también es el mismo, en tanto se trata de resolver la pregunta que recae sobre toda comunidad: ¿cómo vivir juntos?. Si bien al principio esto estaba problematizado por la presencia de los vampiros, devenidos minoría tras su salida del closet, la última temporada de la serie expandió el catálogo de parias. Al incorporar licántropos y mujeres-pantera, sumados a los metamorfos, el pueblo de Bon Temps en el que transcurre True Blood se convirtió en un espacio ténebre y amenazante, como el de Otras voces, otros ámbitos de Truman Capote, donde todos pueden ser monstruos.

Lost Highway o un estado de la cuestión del rock de los 90

2010-09-20T22:35:00.044-03:00

Pocas bandas de sonido son tan contemporáneas con su contexto como la de Lost Highway. Producido por Trent Reznor, el álbum funciona primero como un quién es quién del rock alternativo de los 90, al mismo tiempo que lo historiza y marca su culminación (y posterior caída en desgracia).

Los 90 empezaron hacia fines de los 80 con el debut de bandas como Pixies y Nirvana. Si bien Kurt Cobain no se convertiría en el gurú de la Generación X hasta la salida de "Smells like teen spirit" en 1991, había una voluntad general por dejar atrás los sintetizadores y la música bailable para avocarse a la angustia y la melancolía distorsionada que venía proponiendo Sonic Youth. Fueron pocos los músicos de los 80 que sobrevivieron al recambio generacional, muchos quedaron en el camino, pero otros lograron atravesar el espejo de manera exitosa, entre ellos el entonces jovencísimo Trent Reznor.
Luego de pasar por un puñado de bandas industriales, hacia fines de la década del 80 comenzó a producir música bajo el nombre de Nine Inch Nails y se convirtió en la fábrica de lo que más tarde se definiría como el rock alternativo de los 90, cuya culminación fue The Downward Spiral (1994). Uno de sus primeros inventos fue Marilyn Manson, creado a su imagen y semejanza y perfeccionado hasta el último detalle en Antichrist Superstar (1996). Otra de sus criaturas fue David Bowie, que vio en Reznor el futuro de la música y decidió seguir sus pasos con Outside (1995). Los tres discos son inevitablemente contemporáneos: son tres álbumes conceptuales que proponen un mismo imaginario cyberpunk sobre la decadencia de un mundo que se encuentra próximo a su fin.
La reunión cumbre se produjo con el soundtrack de Lost Highway (David Lynch, 1997), que incluyó aportes de Bowie y Manson, pero también de otras dos bandas que del mismo modo ayudaron a definir el panorama del rock de los 90: Smashing Pumpkins y Rammstein. La banda de Billy Corgan hacía rato que venía escalando posiciones luego de tomar la posta de la deprimida Generación X tras el suicidio de Cobain. Para 1995 el éxito masivo les llegó de la mano de Mellon Collie and the Inifinite Sadness, también álbum conceptual sobre el ascenso y caída (esta vez de la juventud). Rammstein, por el otro lado, venía haciendo en Europa algo similar a lo que hacían Nine Inch Nails y Marilyn Manson en América; una vez abiertas las puertas por Reznor y cía, la banda alemana tuvo el éxito garantizado.
El año de salida del álbum de Lost Highway, 1997, fue un año bisagra para todos estos músicos, que pasaron del rock a la música electrónica en un afán por estar siempre con un pie en el futuro. Las canciones con las que colaboraron en la banda sonora son testimonios de este traspaso: "Apple of Sodom" de Marilyn Manson, ya despojada de la furia de Antichrist Superstar, se encuentra más cerca de la frialdad de Mechanical Animals (1998); "Eye" cumple con la vocación de Smashing Pumpkins por romper con su pasado y funciona como muestra previa de lo que sería su siguiente álbum, Adore (1998); "I'm Deranged" de David Bowie es el enlace que conecta el final de Outside con el principio de Earthling (1997); por último, "The Perfect Drug" de Nine Inch Nails rompe con el desenfreno de The Downward Spiral y abre el camino que conduciría a The Fragile (1999).
Si bien la decisión de renovarse y hacer algo completamente distinto es celebrarble, esto no fue bien recibido por el público y el rock alternativo de los 90 sólo pudo caer a partir de entonces. A pesar de las buenas críticas que recibieron álbumes como Mechanical Animals (el más celebrado de Marilyn Manson hasta la fecha) o Adore, las ventas cayeron, la atención se desvió para otro lado y para el año 2001 la posta la tomó una nueva generación encabezada por The Strokes, con sede en Nueva York. De todos modos, la herencia no se transmite de padres a hijos sino más bien de tíos a sobrinos, por lo tanto queda esperar a ver qué es lo que hacen las nuevas generaciones a partir de ahora con el legado de Trent Reznor.

Estamos juntas en esto

2010-09-17T14:45:00.009-03:00

Para No-Retornable

Foto de Darío Mazzanti

Paraná Porá de Maruja Bustamante es una obra de teatro cyberpunk. El mundo que plantea es un mundo apocalíptico en donde el desastre arrasó con todo y lo único que dejó es una balsa con dos mujeres, una embarazada y ambas enamoradas del mismo hombre muerto. La puesta en escena hace hincapié sobre estas condiciones, consistiendo únicamente en la embarcación maltrecha. Sin embargo, este planteo que podría lindar con lo bizarro, está hecho en función de algo más que la ciencia ficción; lo que se discute en la obra es la posteridad: ¿qué hacer después de la revuelta?
La Gringa (Mónica Bonelli) y la Polaca (Valeria Lois) son las dos sobrevivientes de la hecatombe que devienen Adán y Eva. La Gringa representa la figura femenina, extremada por su domesticidad y su embarazo, mientras la Polaca cumple con el papel masculino, principalmente por sus dotes de cazadora. Sin embargo, las dos siempre recuperan su condición de mujeres solas, abandonadas por un mismo hombre y obligadas a permanecer juntas a la deriva. Atrapadas en esa balsa, se vuelven dobles de Valentín y Molina de El beso de la mujer araña. En vez de contarse películas, se narran la una a la otra una misma historia (la del Santo, el hombre que las dejó), hilvanando de este modo, junto con la música en vivo de la arpista, un remedio para calmar el dolor. A pesar de la melancolía del relato, la nostalgia queda bloqueada por el futuro, puesto que de ese pasado no queda nada. Así, las dos protagonistas se convierten en Thelma y Louise, escapando en pos de un porvenir mejor hasta que la muerte las separe.
Paraná Porá se inscribe en el debate acerca de la comunidad (del cómo vivir juntos), pero también en el de la familia. Dejando al hombre por fuera, la relación que se establece entre ellas dos y el hombre por venir (el hijo de la Gringa) es la de la familia por fuera del orden patriarcal; es decir, la familia después de la ley de matrimonio: la familia del futuro.

FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA

Dramaturgia: Maruja Bustamante

Actúan: Monina Bonelli, Valeria Lois

ARPA: Sonia Alvarez

Escenografía: a77

Objetos: Carolina Villacorta

Maquillaje: Bimbo Godoy

Diseño de vestuario: Candelaria Aaset

Diseño de luces: Javier Casielles

Fotografía: Marcos López

Asistencia artística: Matias Gael Policano Rossi

Prensa: Debora Lachter

Producción: María Solari

Puesta en escena: Maruja Bustamante

Dirección de actores: María Urtubey

Dirección GENERAL Y PUESTA EN ESCENA: Maruja Bustamante

CIUDAD CULTURAL KONEX

Sarmiento 3131 (mapa)

Capital Federal - Buenos Aires - Argentina

Teléfonos: 4864-3200

Web: http://www.ciudadculturalkonex.org/

Entrada: $ 35,00 y $ 25,00 - Miércoles - 21:00 hs

Fire walk with me

2010-09-13T11:34:00.048-03:00

Si hay algo que caracteriza a los personajes de David Lynch es su perdición. Se trata de sujetos cuyas suertes ya han sido echadas y el único camino posible es el espiral descendente. Laura Palmer (Sheryl Lee) de Twin Peaks: Fire Walk With Me (1992) es uno de los casos más claros. Perseguida y abusada por BOB desde los doce años, pierde de vista la categoría de futuro y se arroja hacia su propia muerte en el inframundo de aquel pueblo donde nadie es inocente. Dorothy Vallens (Isabella Rossellini) de Blue Velvet (1986) y Pete Dayton (Balthazar Getty) de Lost Highway (1997) también se hunden en el infierno suburbano. Ambos se convierten en instrumentos: Dorothy deviene el fetiche sexual de Frank Booth (Dennis Hopper) y Pete pasa a ser el chivo expiatorio de la venganza de Alice Wakefield (Patricia Arquette).

Hay una voluntad borderline en estos personajes, en el sentido de que sólo pueden realizarse llevando a cabo acciones extremas. Sailor (Nicolas Cage) y Lula (Laura Dern) de Wild At Heart (1990) representan una de las formas de desborde más características de David Lynch que es el amor. Solos contra todos, trazan una línea de fuga de ese mundo siniestro y amenazante y logran salir gracias a que se tienen el uno al otro. Sin embargo, ninguno de los demás personajes corre la misma suerte, excepto por Dorothy Vallens que logra salir gracias a la recuperación de su hjo.
Es el amor también lo que mueve a Laura Palmer (que deambula en busca de afecto de manera desesperada) y a Pete Dayton, obnubilado por la belleza de Alice Wakefield. De alguna manera vislumbran en el amor la única posibilidad de salida y es por eso que caen seducidos tan fácilmente. Es el caso de Betty Elms (Naomi Watts) en Mulholland Dr. (2001), seducida primero por Hollywood y después por la encarnación de ese mundo que representa Rita (Laura Harring), quien a pesar de borrar Hayworth de su nombre no deja a de portar ese fantasma del sueño americano. Nikki Grace (Laura Dern) en Inland Empire (2006) también cae rendida a los pies de la industria cinematográfica, en la que se pierde como Alicia en el país de las pesadillas.

Por último, la otra forma de perdición que tienen los personajes de David Lynch es la pérdida en el inconsciente. Ante una realidad hostil y un mundo cruel y sin la posibilidad de encontrar un refugio en el amor, la única vía de escape posible es la demencia. Es así como Fred Madison (Bill Pullman), luego de asesinar a Renee (Patricia Arquette) en Lost Highway se inventa una realidad alternativa, en la que todo cambia de valor negativo a positivo. Algo similar sucede con Diane Selwyn (Naomi Watts) en Mulholland Dr. Tras la imposibilidad de triunfar, tanto en el cine como en el amor, halla un remedio para calmar el dolor en su imaginación, donde pasa a ser Betty Elms, estrella en ascenso y mujer al rescate de Rita, que vive sólo para ella.
"Es un mundo extraño" dice continuamente Jeffrey Beaumont (Kyle MacLachlan) en Blue Velvet y el amor es la única posibilidad de sobrevivir. Sin embargo, el amor fracasa y lo único que se puede hacer es caminar con el fuego.

Un lugar llamado Urdinarrain

2010-09-11T10:54:00.011-03:00

Para No-Retornable

Foto de Darío Mazzanti

Urdinarrain de Hernán Morán relata el encuentro familiar que se produce entre un grupo de hermanas a partir de la muerte de la madre. Si bien al principio la pregunta que motiva esta reunión es qué hacer con las cosas de mamá (incluyendo la casa en la que todas crecieron), lo que se pone más bien en discusión es una política de la convivencia: ¿cómo vivir juntos? ¿Cómo convivir con el dolor?
La idea de comunidad está en primer plano en la obra, no sólo por el hecho de que los personajes en escena sean todos miembros de un mismo grupo (la familia), sino porque están insertos dentro de un contexto físico particular como el pueblo (Urdinarrain, Entre Ríos, en este caso). Allí está la casa, que funciona como una versión en miniatura de la pequeña ciudad, cuyos límites son las sábanas colgadas para aprovechar el sol antes de que se aproxime la tormenta. Urdinarrain hace énfasis en lo público (es decir, lo político) en la medida en que la mayor parte de la acción transcurre en el espacio comunitario por excelencia que es el comedor, y los únicos otros dos espacios disponibles son el jardín y el fuera de escena (las habitaciones).
Alrededor de la mesa los miembros de la familia representan sus roles: el de la hija responsable, la tonta, la seria, etc. e intentan convivir pese a sus diferencias. Aunque el lazo es familiar, hay algo del orden de lo oculto en los personajes y en las situaciones. Ejemplo de ello es el fantasma (Pilar Abentín) que ronda todo el tiempo arrastrando su canto melancólico, pero también son los secretos que se van develando y sobre los que se especula a partir del chisme. En todos los casos lo que se descubre es lo siniestro, desde el gorrión que se le clava en el ojo al sobrino que llega de visita (Andrés Passeri), al accidente del niño en el jardín un día lluvioso.
El mundo representado en Urdinarrain es el de lo familiar, pero por detrás de eso está lo femenino que, como en las películas de Almodóvar y las novelas de Manuel Puig, viene aparejado con el dolor. Dolor por la pérdida que implica la muerte de la madre, pero sobre todo dolor por la soledad en la que se encuentran arrojadas cada una de estas mujeres.

FICHA ARTÍSTICA

Autoría: Hernán Morán
Actúan: Pilar Abentín, Maruja Bustamante, Mayra Homar, Andres Passeri, Adriana Pregliasco, Nadia Szachniuk, María Urtubey, Lourdes Invierno
Vestuario: Valeria Casielles
Iluminación: Javier Casielles
Realización escenográfica: Javier Casielles
Música original: Nadia Szachniuk
Ilustrador: Tulio Gómez Álzaga
Asistencia artística: Ezequiel Matzkin
Prensa: Carolina Alfonso
Producción ejecutiva: Valeria Casielles
Colaboración en dramaturgia: Ezequiel Matzkin
Dirección: Hernán Morán

SABADOS 21 HORAS
$40 Y $25 EST Y JUB

TEATRO LA CARBONERA
BALCARCE 996 (ESQ CARLOS CALVO)
RESERVAS AL: 4362 - 2651

¡Leo en Brandon!

2010-08-20T15:22:00.005-03:00

Es el jueves 26/08 a las 21 hs en CasaBrandon (Luis Maria Drago 236).

¡Los espero!

¿Cómo ser contemporáneos?

2010-08-19T00:15:00.023-03:00

En Cómo vivir juntos, Roland Barthes señala que el vivir-juntos no es sólo espacial, sino también temporal y, de esta manera, se detiene sobre el fenómeno de la contemporaneidad: "¿De quién soy contemporáneo? ¿Con quién vivo?". Si bien el compartir (convivir en) un mismo tiempo no es ninguna garantía, muchas veces sirve como argumento de aquello de "las ideas que circulan en el aire". Esto puede verse en dos casos del Nuevo Cine Argentino vistos en contrapunto con dos casos del Cine Independiente Norteamericano, en los que el vivir-juntos no es espacial, pero sí lo es temporal.

En una entrevista Martín Rejtman declaró a propósito de su primer largometraje: "Cuando hice Rapado, sentí que el cine argentino tenía demasiado diálogo, y encima malo. Odio los adornos, odio el artificio, odio cualquier cosa que sea innecesaria, porque en realidad no hay nada más allá de la pantalla". Se podría decir que la película (y también el libro de cuentos que lleva el mismo título) es consecuente con el plan de trabajo de Rejtman: el diálogo es nulo (no agrega nada, es mero protocolo, puro compromiso) y el minimalismo puede verse en cada movimiento de los personajes. Es que Rapado (1991) es un digno producto de los 90 y la generación X, una representación de la apatía (y angustia) adolescente al borde del fin de siglo. Signo de este mismo fenómeno es My own private Idaho (1991) de Gus Van Sant. A pesar de no ser su ópera prima, sí es quizás la película con la que se hizo famoso gracias a la presencia de River Phoenix, el rebelde sin causa de los 90. Rapado y My own private Idaho son dos posibilidades de un mismo relato: la adolescencia en el estado más puro de incomodiad, de imposibilidad de encajar, de perdición (o circulación sin sentido, que es lo mismo).

Esa incomodidad de Rejtman encuentra un sucesor en Esteban Menis y su película Incómodos (2008). Allí nuevamente nos encontramos frente a una incapacidad (que es casi una voluntad) de encajar por parte de sus tres protagonistas, la cual pone al viaje en funcionamiento: la película deviene road-trip, esa especie de novela de aprendizaje en movimiento. Una vez alcanzado el lugar de destino (que no necesariamente coincide con el punto de llegada planificado) se tiene la epifanía y se conoce, valga la redundancia, el destino (se aprende). Little Miss Sunshine (2006) de Jonathan Dayton y Valerie Faris es otra posible manera de resolver el mismo relato. El grupo de desconocidos es reemplazado por el grupo familiar (pero igualmente desconocidos entre sí), en el que la disfuncionalidad prima por sobre todas las cosas. Una vez más, todos los miembros de esta familia tienen problemas para encajar (laboralmente y, por ende, en el mundo) y el viaje viene a cumplir el mismo papel revelador.

Lo que se juega en los dos casos (el de Rejtman y Van Sant y el de Menis y Dayton-Francis) es la contemporaneidad, que se refleja en el uso de un mismo imaginario compartido. Por un lado, Rapado y My own private Idaho trabajan sobre ese lugar-entre que es el crepúsculo de la adolescencia. Por el otro, Incómodos y Little Miss Sunshine trabajan sobre el fracaso de los sueños (tanto los del adolescente como los del adulto).

El cuarto abierto

2010-08-12T20:45:00.006-03:00

Foto de Darío Mazzanti

Estamos todos conectados

2010-08-12T13:52:00.009-03:00

Para No-Retornable

Foto de Darío Mazzanti

Que la hipercomuniación no hace más que alienarnos puede parecer un lugar común del discurso hoy en día. Después de más de quince años de Internet, hemos oído frases como esas hasta el hartazgo. Sin embargo, como con todo, hay formas y formas. Feizbuk, el último proyecto teatral de José María Muscari (Buenos Aires, 1976) no viene a decirnos nada nuevo al respecto. Es más, la misma obra explicita ese vacío y enuncia que no tiene mensaje. No obstante, hay algo que se juega en el modo.

Feizbuk consiste en siete actores en escena que llevan al público de gira por el mundo de la red social más popular del momento. Son siete escenas que giran en torno a numerosos personajes virtuales (y reales a la vez, aunque eso siempre está puesto en duda) y sus perfiles. A simple vista, lo que se pone en escena es una práctica de la que pocos se encuentran ajenos: el vouyerismo virtual. Hasta aquí nada nuevo, sólo que esta práctica es llevada a cabo frente a un grupo de espectadores y en una pantalla gigante. Lo siniestro del asunto es que no hay en la obra ningún plus, no se trata de exponer algo que está oculto, sino de extrañar la mirada y ver el modo en que todo está ahí afuera, disponible para ser visto. De esta manera, Feizbuk muestra el modo en que ya no hay barrera entre lo público y lo privado y extrema la apuesta convirtiendo a los actores en perfiles vivos, en movimiento y de carne y hueso. Es así como siete arquetipos nos muestran sus mundos privados, que consisten en las fotos en las que han sido etiquetados, en los videos que desean compartir, en los eventos a los que asistirán, etc.

Cada una de las siete versiones de la obra gira en torno a un tópico (o perfil) en particular representado por los actores: Míticos (actores fetiche de Muscari), Sex (género, con chicas trans y chicos gays), Tours (el extranjero), Hot (chongos y minas),Stars (aquellos tocados por la varita mágica de los quince minutos de fama), Freaks (la marginalidad) y Teens (la adolescencia en su grado más alto de calentura e histeria).

La obra de Muscari sirve como testimonio de los tiempos que corren, de las maneras que encontramos para vivir juntos y del funcionamiento de la fama y la popularidad en un mundo donde el estrellato pasa por la cantidad de “amigos” que se tienen.

FUNCIONES

Miércoles 21 hs. Feizbuk: Míticos

Jueves 21 hs. Feizbuk: Sex

Viernes 21 hs. Feizbuk: Tours

Viernes 21 hs. Feizbuk: Hot

Sábado 21 hs. Feizbuk: Stars

Domingo 19 hs. Feizbuk: Teens

Domingo 21 hs. Feizbuk: Freaks

CIUDAD CULTURAL KONEX (SARMIENTO 3131)

Entradas $40. A la venta en boletería Konex o por Ticketek (52377200 / www.ticketek.com.ar)

FICHA TECNICA

IDEA ORIGINAL, DRAMATURGIA Y DIRECCION: JOSE MARIA MUSCARI

PRODUCCION Y GESTION: HECTOR BORDONI

ASISTENCIA TOTAL: LAURA HUBERMAN

ASISTENTE DE PRODUCCION: JUAN PALACIOS

VESTUARIO Y ARTE: VESSNA BEBEK

ASISTENTE DE VESTUARIO Y ARTE: JULIETA AREVALO

DISEÑO DE ILUMINACION: DIEGO TODOROUICH, DAVID SELDES

REALIZADOR DE ESCENOGRAFIAS: NICOLAS BOTTE

REGISTRO FOTOGRAFICO: GRISELDA SEIRA

CREACION AUDIOVISUAL: LAURA HUBERMAN

PRODUCTORES ASOCIADOS: RICARDO QUIROZ, WALTER QUIROZ, JOSE CASTRO SOTO, JORGE DODDS

El orden de la muerte

2010-08-01T16:07:00.015-03:00

Para No-Retornable

Una vez más el MALBA decidió importar una muestra que da cuenta del modo en que el siglo XX viajó de Europa a América luego de la última catástrofe bélica. Una vez más porque ya había traído el año pasado “Mr America”, la muestra de Andy Warhol que hoy en día sigue dando vueltas por el mundo. Esta vez el turno es de Robert Mapplethorpe (Nueva York, 1946- Massachusetts, 1989) con “Eros and order”. La relación entre los dos artistas no es casual, puesto que se pueden pensar varias continuidades de Warhol en su obra. Del mismo modo que el padre del Pop Art, Robert Mapplethorpe también hizo ingresar al museo elementos que hasta ese entonces habían permanecido por fuera de éste. No se trató en este caso de cajas de detergente o fotogramas de películas de Hollywood, sino del cuerpo y del placer homosexual. Por otro lado, al igual que en las canciones de Lou Reed y The Velvet Underground (invenciones también del genio de Warhol), desfilan por sus fotografías todos aquellos personajes centrales de la escena, desde la realeza eurotrash hasta Susan Sontag, pasando por varios de sus colegas artistas.
“Eros and order” reúne gran parte de la obra de Mapplethorpe y funciona como un muestrario de todo aquello que lo fascinó. Resulta favorecedor el criterio con el que fue estipulado el recorrido, ya que generalmente no se categorizó nada y es posible pasar del retrato de Grace Jones a una flor siendo penetrada por un cuchillo para terminar en el cuerpo apolíneo de alguno de sus modelos masculinos. Sin embargo, sí hay un apartado reservado para la parte más gráfica de su obra, lo cual resulta un tanto confuso. Un recorrido posible de la muestra es el que proponen sus autorretratos, que van desde su más adorable juventud hasta su temprano desmejoramiento, marcando de alguna manera el orden de la muerte impuesto por la época y emulsionado tan cruelmente en ese retrato de sí mismo con la calavera en primer plano.

Robert Mapplethorpe. Eros and Order
Del 4 de junio al 2 de agosto de 2010. Sala 5 (2º piso)
Curadora invitada: Anne Tucker

El amor es destructivo

2010-07-19T13:39:00.006-03:00

Amor de Fedra (de Sarah Kane)

Dirigida por Mariano Stolkiner

Viernes 21.30

El Extranjero (Valentín Gómez 3380)

Para No-Retornable

Amor de Fedra es la única obra de Sarah Kane (Essex, 1971) que quedaba por estrenarse en el circuito teatral porteño. Nuevamente quien se hizo cargo del desafío fue Mariano Stolkiner (Buenos Aires, 1973), que ya había experimentado con el teatro de esta autora cuando dirigió Cleansed en 2007 y 2008.

El objeto de las obras de Sarah Kane es el amor descarnado, en crudo, expuesto en todo su patetismo (Crave), desesperación (Cleansed) y, principalmente, en su soledad (4.48 Psychosis). Sin embargo, esa pasión descontrolada siempre encuentra resistencia en el tiempo que se acaba o que nunca termina y que, como fue enunciado en el film Irreversible (Gaspar Noe, 2002), lo destruye todo. Amor de Fedra no es la excepción, aún más tratándose de una relectura de una tragedia clásica.

A diferencia de la mayoría de las versiones de la obra de Séneca, en este caso quien está en el centro es Hipólito (Pablo Cura), del lado del nihilismo, opuesto a Fedra (Mónica Driollet), presa de un arrebato de amor desesperado y morboso que la conduce al suicidio. A partir de esta muerte, Hipólito deviene Mersault (protagonista de El extranjero de Albert Camus) y, tras ser acusado desde el más allá de haber violado a su propia madrastra, es juzgado por la sociedad hipócrita.

En este derrotero por una criminalidad que no le corresponde, pero tampoco le importa, se enfrenta primero con la iglesia, que acaba de rodillas ante él y luego con la turba, que lo convierte en el chivo expiatorio de aquello que hoy en día nos preocupa tanto a todos los argentinos como la “inseguridad”. La puesta de Mariano Stolkiner hace ganar mucho a la obra en este último aspecto, exacerbando el amarillismo en el uso del video como medio masivo de comunicación y dispositivo de la literalidad de la violencia a la que la televisión nos tiene condenados.

Amor de Fedra es una obra incómoda, como la realidad misma, que viene a despertarnos de la ensoñación, a mostrarnos las contradicciones de las que estamos presos. No obstante, antes de irnos, nos despide deseándonos que tengamos un buen día.

FICHA TÉCNICO-ARTÍSTICA

Autoría: Sarah Kane

Versión: Mariano Stolkiner

Traducción: Pablo Rey

Actúan: Pablo Cura, Mónica Driollet, Alejo Mango, Flavia Sinsky

Actuación en video: Guillermo Aragones, Miguel Christophersen, Graciela Cravino, Mario Petrosini, Mariano Tenconi Blanco, Valeria Vogt

Vestuario: Mercedes del Campo

Maquillaje: Agata Sara Ini

Diseño de escenografía: Mariano Stolkiner

Diseño de espacio: Matías Mango

Diseño de luces: Julio López

Realización de escenografía: Rodrigo Mujico, Eduardo Spindola, Mariano Stolkiner

Realización de video: Marcos Pastor, Mariano Stolkiner

Sonido: Lucía Palachi

Efectos especiales: Mauro Carrizo

Fotografía: Carolina Bonfil, Guido Piotrkowski

Diseño gráfico: Luciana Waisberg

Asistencia de dirección: Rodrigo Mujico

Prensa: Daniel Franco, Paula Simkin

Producción ejecutiva: Bárbara Rapoport

Dirección: Mariano Stolkiner

EL EXTRANJERO

Valentín Gómez 3380

Capital Federal - Buenos Aires - Argentina

Teléfonos: 3980-1147

Entrada: $ 35,00 y $ 20,00 - Viernes - 21:30 hs - Del 23/07/2010 al 03/09/2010

La comunidad

2010-07-03T18:27:00.003-03:00

Aveces hace bien volver a ver películas que en su momento fueron mal leídas. Hay algo de justicia involuntaria en esto y The Village (Night Shyamalan, 2004) es un filme que requiere de un acto como éste.
Hay que partir de un problema base de toda la filmografía de Night Shyamalan, y es que siempre se le pide que vuelva a hacer The Sixth Sense (1999). ¿Para qué? Ya existe la pelicula original, ¿por qué no gozar de todo lo demás que este director tiene para ofrecernos? The Village no fue la excepción y, aún más, contó con el punto en contra de que fue comercializada como si se tratara de una pelicula de terror, algo similar a lo que sucedió con Twin Peaks: Fire Walk With Me (David Lynch, 1992).
Una vez superado el desengaño, es posible comenzar a percibir el matiz del proyecto de Night Shyamalan con esta película. Del mismo modo que la literatura, el cine también es un arte que se caracteriza por plantear preguntas, y en este caso la cuestión que resuena una y otra vez es: ¿Cómo vivir juntos? La anécdota, hacia el final de la película, puede resumirse asi: un grupo de adultos decide escapar del espacio estriado de la ciudad para encerrarse en el espacio liso de una aldea decimonónica, con el fin de arrancarse de la locura del capitalismo. Sin embargo, esta decisión pasa únicamente por el grupo de los mayores, quedando el resto de los habitantes sujetos a su conducción y presos de un imaginario que les es impuesto para no salir. La aldea, de este modo, se vuelve a estriar y el poder vuelve a ser ejercido a través del miedo, como en todo régimen capitalista.
Al final de la pelicula, nos queda una pregunta: ¿Es posible otra forma de vida?

Phrazes for the young de Julian Casablancas o la vuelta a las pistas

2010-06-19T11:53:00.005-03:00

Hace rato que no se oye aquel lejano eco constante de Joy Division que caracterizó durante toda la década pasada al sonido de la escena de Nueva York. Es que los tiempos han cambiado, ya nos cansamos de re-vivir los 80's y pasamos a esa etapa intermedia entre dos décadas, esa visagra en la que lo que fue se termina de desintegrar y comienzan a formarse nuevos sonidos; y el destino musical suele ser siempre el mismo: la pista de baile. De este viraje ya dio cuenta Yeah Yeah Yeahs con It's Blitz (2009), en su traslado de Nueva York a Los Angeles y en su cambio de guitarras por teclados multicolores. Y Julian Casablancas viene a seguir ese cambio. Es que aquello que persiste en lo que ya sucedió atrasa. Quizás por eso Tonight (2009) de Franz Ferdinand suena tan viejo hoy en día, aunque "Ulysses", el primer single, prometía algo muy distinto. Phrazes for the young (2010) sigue los pasos de Karen O. y los suyos y se deja cubrir por una capa de colores fosforescentes que nos trasladan inmediatamente a la pista de baile que Michael Jackson nos dejó vacía. Hay que tener en cuenta que Julian Casablancas siempre estuvo a la cabeza de la vanguardia con The Strokes, quienes patearon el tablero con Is this it (2001), así que no debería extrañarnos esta nueva estrategia.

P.i.L. - The order of death

2010-06-16T21:35:00.000-03:00

Here now
Ending
One life
One knife

Robert Mapplethorpe (1946-1989)

¿Cómo y para qué clasificarse?

2010-06-10T15:00:00.005-03:00

La guerra de las mariconas
Copi
El cuenco de Plata
2010

Para El Interpretador

COPI REAPROPIADO

Con La guerra de las mariconas, la editorial El cuenco de plata continúa con su labor de reapropiación de escritores argentinos adoptados por editoriales españolas, campaña que comenzaron con Manuel Puig. Luego de la primera edición en español de La ciudad de las ratas (El cuenco de plata, 2009), esta editorial se animó con la otra novela de Copi que faltaba en el catálogo de la española Anagrama.

COPI Y LA REVISTA

Como bien dijo Daniel Link, el lenguaje que utiliza Copi, “el universo que evoca es inmediatamente inteligible por un público popular”, excusa más que válida para llevarlo al terreno de lo popular por antonomasia que es el teatro de revista. El año pasado ya hubo una aproximación tal con la puesta de Una visita inoportuna en el Konex, con Moria Casán a la cabeza del elenco. La guerra de las mariconas pone también en escena una serie de personajes semejantes a los que pueblan este tipo de teatro, comenzando por Conceiçao do Mundo y su entrada al relato: “Su madre la ayudó a sacarse una capa de plumas de pavo real que le llegaba hasta los tobillos (…) Conceiçao avanzó desnuda, en tacos aguja”. La escalera, ausente en el comienzo, aparece con el resto de las travestis amazónicas: “¡No eran ni treinta ni cincuenta, como habíamos creído, sino al menos un centenar! Bajaban de las escaleras vestidos como en el carnaval de Río (…) Conceiçao do Mundo no tenía nada que envidiar a Carmen Miranda”.

IMAGINARIO TRANS

Se puede pensar la estética de Copi como una estética trans, en palabras de Link: “en el sentido en que lo trans debe entenderse, como el pasaje de lo imaginario a lo real”. La guerra de las mariconas verifica esta estética: “¡Vinicio me ofreció este plato volador como regalo de compromiso! ¡Todos mis sueños de infancia consumados en un solo día!” (el subrayado es mío). Por otro lado, el relato está poblado de personajes trans, personajes que logran realizar el imaginario, en los que lo masculino y lo femenino se ponen en cuestión, dejan de importar: “El padre o la madre –no lo voy a saber nunca- sonreía con todos sus dientes amarillos camino a la puerta”. Los hombres dejan de ser hombres y las mujeres dejan de ser mujeres: “las enfermeras que me rodeaban eran solamente hombres” y lo que quedan son criaturas que comparten una doble naturaleza a la vez que no pertenecen a ninguna: “Tenía sexos de hombre enorme y senos bien moldeados y puntiagudos”.

SERIE

Es bien sabido que recuperar el argumento de una novela de Copi es una tarea ardua, por no decir imposible. Los avatares a los que somete a sus personajes son interminables y se suceden uno atrás del otro a un ritmo más que veloz. En la “Nota de traducción y edición” se hace una mención al respecto: “Ambas narraciones [La ciudad de las ratas y La guerra de las mariconas] gozan de la cadencia característica de la publicación en serie y van encontrando su estructura a través de saltos que redefinen los términos del relato”. Esta imposibilidad de recuperar el orden de lo ocurrido es también percibida por Copi (el personaje) en la novela: “Hice el esfuerzo de contar en orden cronológico, y lo más rápido posible, todo aquello de lo que había sido testigo desde mi despertar en la Luna, pero mi lengua se petrificaba, no llegaba a articular”. Se puede pensar esta característica como propia del terreno del humor, al que Copi pertenecía a partir de su carrera como artista de cómics. Del mismo modo que en los mejores capítulos de Los Simpsons, una cosa lleva a la otra sin ningún tipo de rigor lógico, para acabar en cualquier lado.

COPI HORROR PICTURE SHOW

Se llega a un punto en la lectura de La guerra de las mariconas en el que se hace difícil no pensar en la película The Rocky Horror Picture Show (Jim Sharman, 1975). Conceiçao do Mundo es una especie de Rocky, criatura manejada por su padre/madre para seducir a los humanos (Copi en este caso) y apoderarse del mundo. Al igual que en la película, en la novela todo termina en explosiones y en una nave espacial despegando de la tierra, en la que se revelan los verdaderos planes maestros. Siendo The Rocky Horror Picture Show una máquina de parodiar (el cine de ciencia ficción y de terror), la obra de Copi se puede pensar también como una gran parodia del orden y, por sobre todas las cosas, de los sistemas clasificatorios.

¿COMO Y PARA QUE CLASIFICARSE?

La guerra de las mariconas, como lo indica el título, narra los avatares de una guerra, la que se genera entre los homosexuales y las travestis brasileñas-amazónicas. Establecidos los dos bandos, lo que resta es ver quién está alineado con quién, al fin y al cabo: ¿de qué lado estás? Un asunto en apariencia tan sencillo es convertido en un problema en la novela de Copi, puesto que alinearse con un bando es acatar a una clasificación, y lo que hace Copi (tanto el personaje como el autor) es llevar a la ruina el sistema clasificatorio. Si ya desde el comienzo hacen aparición esos trans-personajes, resistentes a “lo femenino” y a “lo masculino”, con el correr de la novela esta elección es resistida por el protagonista en cuanto al bando al que se alineará.
En un principio, La guerra de las mariconas funciona como un sistema clasificatorio. Los putos son bien putos: “¡usted es un verdadero maricón, lo juro!”, “Era una verdadera loca”; las hermafroditas son bien hermafroditas: “¡era un verdadero hermafrodita! Entre los huevos y el ano, tenía un sexo de mujer que no habría sospechado”; las mujeres son bien mujeres: “¡es un verdadero pedazo de hembra!” y los hombres son hombres de verdad: “Era un hombre, un verdadero hombre, que me sonreía bajo un bigote negro muy poblado” (los subrayados son míos).
Pero a la hora del enfrentamiento, putos/maricones vs. travestis/hermafroditas, Copi resiste a clasificarse: “últimamente tengo fobia a cualquier tipo de agrupación” y adopta una posición neutra, desbaratando de este modo el paradigma según Barthes. Es que la historia narrada en La guerra de las mariconas es, como en El baile de las locas, entre otras novelas de Copi, una historia de amor desenfrenado: “¡Si esto es una guerra de gangs –les dije-, voy a saber cómo proteger a Conceiçao tanto de los putos militantes franceses como de la banda de sádicos brasileños!”. Como Romeo, Copi da la espalda a su “familia” y se juega por su media naranja: “¡Me cago en la política, haga saltar París si le viene en gana, yo quiero a Conceiçao do Mundo!”.

Lady Gaga o la síntesis del pop

2010-06-09T11:37:00.002-03:00

Se puede pensar la resignificación como la tarea por antonomasia del Pop Art. Esto puede verse en las latas Campbell de Andy Warhol o en las viñetas de Roy Lichtenstein, que trasladan elementos de la cultura de masas y los incorporan al arte. Lady Gaga trabaja sobre sus videos y su música con la misma logica pero haciendo esta vez una puesta en abismo: toma elementos de la cultura Pop y los devuelve al mismo mundo resignificados. Reemplaza los fotogramas de Marilyn Monroe por los de Marilyn Manson y las cajas de detergente por los corpiños hechos por Jean Paul Gaultier para Madonna. Stefani Germanotta se ha convertido en la síntesis del Pop.

la familia en pedazos

2010-06-09T00:47:00.003-03:00

Si aquello que la hétero-norma quiere proteger de la insurrección queer es la institución social de la familia, el último capítulo de la segunda temporada de United States of Tara postula el estallido de la misma desde su propio centro. La boda de Charmaine se convierte de ese modo en el escenario de la familia en pedazos: el secreto de los padres de Tara y Mimi queda al descubierto con Chicken repartiendo flores a por doquier, las intenciones de Nick pierden fuerza ante lo enfermo y Zach sale expulsado. A pesar de que la sangre traiciona, es el amor el que triunfa por sobre todas las cosas.